Fl Studio Уроки написания музыки

Как на мультимедиа компьютере добиться хорошего звучания

DjDsQ — Mon, 27 Feb 2012 20:52:57 GMT

Многие музыканты и звукорежиссеры недооценивают возможности современных компьютеров, музыкальных приложений и недорогих звуковых плат. При упоминании о подобной технике, они презрительно поджимают губы и произносят слово, в котором сосредотачивается все их презрение к миру простых смертных: <мультимедиа>: Однако, знакомство с западными периодическими музыкальными изданиями говорит о том, что весь цивилизованный мир давно повернулся лицом к малобюджетным технологиям: на эту тему пишутся статьи, обсуждаются достоинства и недостатки разных программ, а такие серьезные люди как Эрик Персинг (владелец фирмы Spectrasonics и создатель всей библиотеки звуков для синтезаторов фирмы Roland) ставят первые эксперименты по использованию программных синтезаторов в серьезных бюджетных проектах. Да и цены на программы и подключаемые модули заставляют задуматься. Например, набор подключаемых модулей фирмы Waves Native Gold Bundle стоит целых 1300 американских долларов, а это сравнимо с ценой на автономные приборы достаточно высокого класса.

Так что же, получается - мы опять позади планеты всей, и до сих пор не поняли, что индустрия звуковой техники вымирает, а будущее за <виртуальными студиями>, скрывающихся в недрах обычных персоналок? И да, и нет. С одной стороны, уже не вызывает сомнения то, что <виртуальные студии> - это серьезные профессиональные инструменты для звукозаписи. Но с другой стороны, автономные <железные> приборы имеют свой собственный <окрас> звучания, повторить который в <виртуальной студии> достаточно сложно. Например, звучание эквалайзеров пультов Soundscraft кардинально отличается от звучания эквалайзеров микшеров Mackie или TL Audio, и многие профессионалы считают, что некоторые специфические вещи можно сделать только с их помощью. А звук тех же синтезаторов фирмы Clavia (Nord Lead или Nord Modular) невозможно повторить с помощью виртуальных синтезаторов форматов VST или DXi. Кроме того, есть задачи, которые просто удобней решать с помощью автономных приборов. Например, обеспечение концертов или постоянные инсталляции в клубах, концертных залах и т.д.

Но верно и обратное - многие вещи, которые очень легко делаются на обычных компьютерах с помощью программ-виртуальных студий довольно проблематично повторить в обычных студиях звукозаписи. При этом о минимально необходимом качестве звука разговор уже не ведется. Если загрузить в обычный SB Live профессиональные звуковые библиотеки, и использовать чуть более качественный внешний преобразователь, чем встроенные конвертеры платы, то ни один самый крутой звукорежиссер не отличит его звучание от семплеров E-mu или Akai. Этот тезис проверялся мной многократно, и на эту <удочку> ловились люди, которых нельзя упрекнуть в отсутствии слуха и опыта работы с серьезной техникой. А работать с SB Live куда удобней, чем с дорогущими автономными семплерами: Хотя, очень многое зависит от конкретного пользователя - есть куча <подводных камней> в процессе перевода библиотек из одного формата в другой, да и хороших результатов можно добиться лишь зная недостатки SB Live или программ обработки звука:

В этой статье мы поговорим о том, как с помощью недорогой <мультимедиа> техники и современных программ записать действительно качественную фонограмму. Но не обольщайтесь. Нет универсальных способов <стать крутым>. Все зависит от вас - от вашего желания, настойчивости, умения долго экспериментировать, слуха, в конце-концов. И не забывайте, что звукозапись - это достаточно сложный технологический процесс. То есть, здесь важны реальные знания и понимание сути происходящего. Другими словами, чтобы хорошо записать фонограмму надо быть не только музыкантом, но и неплохим инженером. Физику, короче, надо знать и любить:

Предварительные замечания

С чего начинается качественная фонограмма? Многие люди думают, что со звуковой платы, установленной в компьютер. Но это не так. Качественная фонограмма начинается с КАЧЕСТВЕННОГО ИСТОЧНИКА ЗВУКА, который впоследствии будет записан с помощью той или иной звуковой платы и программы.

Чаще всего в домашних студиях музыканты записывают голос вокалиста или гитары. Для того, чтобы хорошо записать голос нам нужны три вещи:
Хороший певец.
Хороший микрофон
Помещение, пригодное для записи.

С хорошим певцом вроде все понятно. Помимо наличия голоса и слуха, он должен уметь работать с микрофоном. То есть не <пыхать> на мембрану, отходить от микрофона при переходе на <форсаж> и приближаться к микрофону в лирических местах, чтобы использовать эффект увеличения количества низов при сокращении дистанции. Также певец должен уметь петь в студийных условиях, когда нет <подкачки> зала. Самая главная проблема певцов в студии - вялые и невыразительные треки (ну, не прет и все тут!). В общем, надо много и упорно тренироваться, чтобы достигнуть приемлемых результатов.

Хороший микрофон - это тоже большая проблема. Но к счастью, умирающая отечественная промышленность пришла нам всем на выручку. Тульская <Октава> выпустила микрофон МК 319 А, который в Интернет магазине на peratron.narod.ru можно купить за 115 американских рублей. Это серьезный студийный конденсаторный микрофон с большой диафрагмой, который работает на уровне буржуйских микрофонов ценовой категории 300-500 долларов (AKG C3000B остается далеко позади). Когда я первый раз с ним поработал, то был просто поражен - за такие деньги это просто подарок: К микрофону желательно иметь качественный поп-фильтр - сетку, натянутую на проволочную рамку, которая располагается сантиметрах в 20 от микрофона. Слюни, сопли и <пыхи> вокалистов застревают в этом фильтре. Запись получается куда чище.

Далее, к микрофону желателен предусилитель. Если есть микшер, то обычно достаточно его предусилков, если микшера нет, то желательно прикупить какую-нибудь <железку> типа TL Audio Fatman FAT1, Joemeek Micromeek MQ1, Focusrite Trackmaster или Roland MMP2. Но если хотите качественно записывать звук с микрофона, раз и навсегда забудьте о встроенных предусилителях звуковых плат, даже таких навороченных как SB Audigi Platinim EX - они намертво убивают даже очень хорошие микрофоны. Компрессор для работы с микрофоном желателен, но не обязателен - грамотный вокалист способен петь так, что <зашкалов> не будет. А при сведении голос выравнивается с помощью программных подключаемых модулей.

Теперь пару слов о помещении. Хороший микрофон помимо голоса вокалиста всегда ловит и естественную реверберацию помещения. В современных бетонных квартирах реверберация эта имеет характер <звона>, который мешает нормально работать с эквалайзерами, компрессорами и электронной реверберацией. Для того, чтобы избавиться от <звона>, достаточно сделать <глухую камеру>, где будут обитать вокалист с микрофоном во время записи. Я со своими друзьями такую камеру сделал очень просто - набил на потолок комнаты деревянные планки, на которые во время записи развешиваются самые обычные шерстяные одеяла. Разумеется, одно из одеял закрывает потолок, а еще одно - валяется в ногах у вокалиста. Результаты получаются просто изумительными:

С голосом вроде все понятно. Теперь переходим к гитарам. Первое условие для качественной записи гитары - умение на ней играть. Не умеете - лучше даже не беритесь, воспользуйтесь синтезаторными имитаторами этого инструмента. Результаты будут лучше. Если играть умеете, то помимо навыков игры надо иметь инструмент приличного класса, и всю необходимую обработку. Я здесь на этом вопросе останавливаться не буду - в Интернете достаточно много ресурсов, посвященных гитарным технологиям (например, www.guitar.ru). Но могу сказать одно - дешевая гитара плюс дешевая примочка способны угробить любую приличную запись. Подумайте о том, чтобы воспользоваться синтезаторными имитаторами - результат скорее всего будет лучше. То же самое касается и акустической гитары - инструмент <за 16 рублей> (музыканты старшего поколения знают, что это такое) надо выкинуть на помойку, и сделать партии гитары при помощи нормальных звуковых библиотек.

Помимо качественного источника звука для получения хорошей записи важна КОНТРОЛЬНАЯ АКУСТИКА. Вы должны адекватно слышать то, что записали, и адекватно оценивать результаты действия различных модулей обработки. Чаще всего обеспеченные музыканты покупают себе студийные контрольные мониторы. Но на самом деле можно обойтись и без них. Достаточно поставить несколько разных акустических систем - от дешевых мультимедиа колоночек до больших напольных колонок. И слушать результаты своих действий в разных АС, переключаясь с одной на другую. Кстати, такой мастер сведения как Боб Клермаунтин, который делал записи подавляющего количества американских звезд 80-х, вообще любит сводиться в маленьких мультимедиа колонках, поставленных рядом (чтобы звук был почти моно). Он говорит, что если ваша вещь зазвучала в таких колонках, то и в крутых АС она тоже будет звучать: Но всегда надо иметь под рукой и другую акустику, чтобы не промазать по верхам и низам. У автора этих строк, кстати, стоят студийные АС JBL 4208, а плюс к ним - старые отечественные 90-вт колонки Орбита, и маленький микро-центр JVC.

Но, обладание даже самыми крутыми и пафосными акустическими системами не снимает с вас тяжелого бремени постоянного слушания самой разной музыки в этих самых АС. Причем, надо не просто случать, а четко анализировать фонограмму - как сведена ритм-секция, с каким уровнем записан голос вокалиста, как расположены инструменты в панораме и т.д. А свои записи очень полезно сравнивать с <фирмой>. Свели вещь - включите ее сразу после прослушивания буржуйского альбома. И не расстраивайтесь, а попытайтесь понять, что вы сделали не правильно. Пересвели все - снова слушайте на фоне эталона. Только так вы <научитесь> и рулить звук и сводить фонограммы по человечески.

Звуковые платы

Рыночная экономика имеет множество достоинств и один большой недостаток: главным движителем торговли является реклама. Помимо имидж-рекламы (красивые цветные картинки с улыбающимися людьми и яркими коробками), фирмы-производители прибегают к более сложным формам продвижения своих товаров. Одной из таких форм является институт независимой экспертной оценки. Нет, я не хочу сказать, что эксперты врут, ошибаются, или сознательно пишут <заказные статьи>. Просто подумайте о том, что современные потребительские журналы живут за счет имидж-рекламы, соответственно понятно желание главных редакторов дружить с максимальным количеством производителей. То есть эксперты, на самом деле не <независимы> - они поставлены в очень жесткие условия и на них постоянно производится давление. Обычной ситуацией общения с рекламодателями является такой разговор: <напишете нормальную статью - дадим имидж-рекламу>. После такого разговора на эксперта смотрят умоляющими глазами другие сотрудники редакции: <Ну, пожалуйста, будь повежливее:>

Вот отсюда и возникает масса легенд и мифов относительно разных высокотехнологичных товаров в целом, и звуковых плат в частности. Например, есть две звуковые платы, у которых разница в цене составляет 300 долларов. Эксперт слушает их и убеждается, что более дорогая плата действительно звучит чуть лучше. Но весь вопрос вот в чем: а стоит ли прирост качества звука этих самых 300 долларов? Кроме того, эксперты никогда не говорят вторую совершенно прозрачную истину: современная мультимедиа техника давным-давно превзошла по качеству профессиональную технику 10-летней давности. Автор этих строк в свое время работал с цифровым профессиональным магнитофоном Alesis ADAT. Так вот могу ответственно заявить: его 16-разрядные преобразователи хуже тех, преобразователей, что стоят на SB Audigi. Но это совсем не мешало звукорежиссерам во всем мире записывать на этом магнитофоне отличные альбомы разных музыкантов.

Собственно, отсюда следует простая истина: не надо гоняться за <журавлем в небе>. Да, есть звуковые платы, которые относятся к классу профессиональной техники и отличаются от SB Live более прозрачным верхом, более собранными басами и более четким позиционированием источника звука в стереопанораме. Если у вас есть на них деньги - пожалуйста, покупайте. Но если денег нет, то не надо комплексовать и опускать руки, или откладывать запись до лучших времен. Лучше узнать недостатки той звуковой платы, что стоит в вашем компьютере, и попытаться их обойти. Это абсолютно реально. Например, слушайте и фирменные записи, и свои фонограммы именно через преобразователи своей платы. Это очень поучительный процесс:

Звуковые библиотеки и семплеры

Появление в свое время программы Gigasampler произвело настоящий шок в профессиональном мире: <Как это так - теперь работа с библиотеками формата AKAI доступна всем?>. Профессионалы долго рылись в GS, пытаясь найти у него недостатки, но так толком ничего и не нарыли. Да, у этой программы хуже фильтры и генераторы огибающей, чем у семплеров AKAI, но опять-таки вопрос: насколько хуже? Оказывается, что ненамного. Конечно, если поставить рядом AKAI MPC 2000 и компьютер с GS, и воспроизвести одну и ту же библиотеку ударных, окажется что звук MPC более бодрый, резвый, <хлесткий> и т.д. Но обработай дорожку ударных, созданных на GS компрессором, чуть подыми верх хорошим эквалайзером и результат будет тот же: С фильтрами такая же картина:

А сейчас появилось уже довольно много подобных программ, да и SB Live свои позиции совсем не собирается сдавать - как семплер, он очень и очень продвинут (надо только его возможности знать). Проблема с разными форматами библиотек тоже решается элементарно с помощью утилит типа CD Extract или Awave. Но почему тогда не происходит резкого количественного скачка хороших фонограмм (по крайней мере в нашей стране), да и коммерческие студии, оснащенные старыми добрыми <акаями> не утратили своей актуальности? Ответ прост - со всей этой <кухней> НАДО УМЕТЬ РАБОТАТЬ. Звукорежиссеры это умеют. А вот все прочие - нет.

Так что, уважаемые юзеры SB Live, Halion и Gigasampler, кончайте уже ныть о том, что <вот бы мне такую навороченную фиговину, я бы такое записал:> Ерунда это. Любой грамотный звукорежиссер очень хорошо запишет музыку и на SB Live. И если он сам не скажет, на чем делалась работа, 99 процентов слушателей никогда ни о чем не догадается. Догадаются об этом лишь звукорежиссеры с тренированным слухом, внимательно послушав фонограмму на своих дорогущих АС в студии. А на hi-fi музыкальном центре никто ничего не разберет, даже если будет хоть сто раз звукорежиссером. Другое дело, что хороший звукорежиссер вряд ли будет делать работу на SB Live - у него есть под рукой техника совсем другого класса, на которой просто работать куда комфортнее. Да и звук куда лучше. А тех, кто познал рай, в ад уже не заманишь:

Теперь несколько советов по работе с семплерами и звуковыми библиотеками.

"Учите матчасть".

Программу или семплер звуковой платы надо знать, как свои пять пальцев. Вы должны с ходу ответить на вопрос, где каким контроллером чего рулится, какие особенности у фильтров, какие недостатки у генераторов огибающей и сколько форм волны производит LFO. Если этого знать не будете, то ничего никогда не запишите толком. Не гонитесь за количеством звуковых библиотек. Прослушайте, например, два диска Bass Legends фирмы Spectrasonics и отберите себе один Pick, один Fretless и один Finger басы. И работайте дальше с ними. Но для начала загоните в редактор и настройте как следует: петли должны воспроизводится без щелчков, огибающие должны быть настроены под конкретную композицию, LFO желательно синхронизировать с темпом композиции, а раскладка семплов по velocity должна быть настроена под вашу клавиатуру. Плюс к этому в пэтче не должно быть заметных провалов уровня - это тоже все настраивается в редакторе. Если у вас есть чем <порулить> звук (программируемые слайдеры или регуляторы на синтезаторе или MIDI клавиатуре), то заведите их на разные контроллеры, а контроллеры назначьте на разные параметры синтеза. Например, на частоту среза и резонанс фильтра, на задержку и уровень дилэя и т.д. И еще один маленький профессиональный секрет. Каждая партия, записанная с помощью синтезатора или семплера должна хорошо звучать по отдельности. Но с помощью средств самого семплера очень часто этого добиться просто невозможно. Поэтому есть простой и изящный метод работы. Наиграли с клавиатуры, например, партию баса, записали ее на MIDI дорожку, отквантизировали - сразу перепишите партию на аудио дорожку и дальше <рулите> ее там (только переписывать надо, отключив все эффекты) - к вашим услугам огромное количество самых разных подключаемых модулей обработки звука. Все виртуальные семплеры, а также старый добрый SB Live позволяют переписывать MIDI партии в wav-формат без потери качества. Так пользуйтесь этой замечательной возможностью:

Теперь о барабанах. Очень часто <забитые> в компьютер партии ударных выглядят очень вяло, невыразительно, и не создают должной <накачки> (как в <фирменных> записях). Есть два очень простых способа борьбы с этой бедой. Первый способ - подкладывание готовых петель под вашу основную партию. Делается это с помощью программы Sonic Foundry ACID. Запишите короткую петлю с вашей партией ударных, выведите ее в wav-файл, и откройте в <эйсиде>. Дальше запускайте воспроизведение в этой программе и подбирайте петли, которые хорошо микшируются с вашей исходной петлей. ACID хорош тем, что позволяет прослушивать библиотеки с темпом вашей исходной петли и на лету проверять разные варианты микширования. Ваша партия оживет прямо на глазах. Не нравится какое-то место в <подложенной> петле - прямо в <эйсиде> вы можете ее <порезать> и подогнать точно в вашу партию. Дальше вам остается лишь импортировать новую петлю в wav-файл и вставить ее в вашу композицию в основном приложении.

Второй способ - это <накачивание> барабанов с помощью компрессора. В wav-файлы надо отдельно выводить бас-барабан, малый барабан, томы, и т.д. Дальше вы навешиваете компрессоры на каждый инструмент ударной установки по отдельности и <жмете> их. Хороших результатов можно добиться и с помощью мастеринговых лимитеров типа Waves Ultramaximizer. А всю установку целиком очень хорошо <сцементировать> с помощью какого-нибудь многополосного компрессора. Кстати, не пугайтесь этих страшных плагинов (почему-то большинство пользователей шарахаются от них, как от огня). Они работают как мягкие эквалайзеры, которые одновременно делают звук плотнее, и подходить к ним надо так же, как к эквалайзерам:

Разумеется, два этих способа можно комбинировать друг с другом. Просто экспериментируйте больше и сравнивайте свои результаты с фирменными записями:

Обработка

Как в случае с семплерами и звуковыми библиотеками, при использовании любых программ и модулей обработки звука очень важно четко понимать, что в каждый конкретный момент происходит. То есть физику надо обязательно знать. Выбор пресета в плагине, это, конечно, хороший и быстрый путь работы, но без должного понимания сути происходящего такого навыбирать можно, что фонограмма будет совершенно неудобоваримой:

Главный принцип работы в <виртуальной студии> - как можно меньше эквализации. <Плагины> - это не дорогущие автономные приборы, и при глубоком вмешательстве звук они чаще всего портят. То есть старайтесь записывать дорожки так, чтобы их нужно было как можно меньше рулить эквалайзером. Особенно это касается голоса и инструментов переднего плана. Чуть подрезать низ, капельку поднять верх для лучшей читаемости в фонограмме - это еще нормально. Но когда начинается <рисование> хитрых кривых, вырезание отдельных частот и т.д. - качество звука падает скачкообразно. И если уж приходится прибегать к эквалайзерам, я лично настоятельно рекомендую пользоваться модулями Waves REQ из пакета Waves Native Gold Bundle - на мой вкус они меньше всех портят звук. А частотную характеристику вокальных треков можно основательно подкорректировать с помощью модуля Antares Microphone Modeler. При этом в звук не вносится сильных искажений - <моделлер> работает не так как эквалайзер, а совсем по другим принципам.

Если эквалайзерами лучше пользоваться минимально, то компрессоры надо использовать максимально, особенно, если вы работаете в современных стилях музыки. Обрабатывать компрессорами надо не только <живые> треки, но и синтезаторные, если вы хотите получить действительно хорошее и плотное звучание. Но здесь есть одна тонкость Вообще-то любой компрессор, как и эквалайзер, звук портит. Но если подходить к этой беде с другой стороны, и попытаться сей недостаток обратить в достоинство, то можно добиться многих хороших результатов. Я лично перепробовал огромное количество подключаемых модулей и подобрал себе те, которые <портят звук> так, как нужно мне. То есть исходный звук искажается, но оказывается, что в финальном миксе все звучит так, как надо. Настоятельно рекомендую присмотреться повнимательнее к компрессорам производства фирмы Waves: Rcomp для инструментов и Renaissance Vox для обработки голоса. Хотя, могут быть варианты - эти компрессоры лучше всего уживаются с моими микрофонами (AKG D3900 и Октава МК 319 А) и гитарами. А с другими микрофонами могут лучше работать компрессоры других фирм.

Теперь об общих принципах работы с компрессорами и эквалайзерами. Когда я свожу композицию, то у меня перед глазами обязательно находятся два плагина - анализатор звукового спектра и измеритель среднеквадратичного уровня (сейчас я пользуюсь модулями из пакета Waves Native Gold Bundle 3.5, а раньше приходилось прибегать к программе Spectralab). На анализаторе очень хорошо видны частотные полосы разных инструментов и частотная полоса голоса. <Фишка> здесь проста - надо сделать так, чтобы голос (или солирующий инструмент) явно выделялся в миксе, и его не перекрывали бы другие аккомпанирующие инструменты. Иногда даже приходится менять аранжировку - после того, как глянешь на картинку спектроанализатора становится понятно, что голос сюда <не полезет>. Измеритель среднеквадратичного уровня нужен для того, чтобы <не пережать> инструменты компрессорами. Если вы собираетесь делать мастеринг своих вещей, то лучше сделать так, чтобы среднеквадратичный уровень микса не превышал значения минус 15-17 дБ. На мастеринге его подтянут до минус 10-12 дБ, но уже с помощью многополосных компрессоров и лимитеров. Но делать это лучше уже в контексте звучания всего альбома. А если вы никогда не имели дела с этими двумя измерительными <приборами>, то лучше сначала внимательно посмотрите, как они работают на примере <фирменных> записей. Кстати, я частенько слушаю разную музыку со спектраанализатором перед глазами - приятное сочетается с полезным:

Поехали дальше. Эффект, который вызывает большинство сложностей - это реверберация. С одной стороны вроде бы все просто - выбрали пресет, например Hall, и все типа круто. Но вот здесь-то и коренится еще одно отличие профессиональных записей от любительских. Профессионалы используют реверберацию не только для придания <объема> звуку, но и для расстановки инструментов <по глубине>. Плюс к этому есть еще несколько секретов:

Одним из самых главных параметров реверберации является предварительная задержка (predelay) - время, через которое к слушателю приходят первые отражения от стен помещения. Сами понимаете, что чем больше это время, тем больше расстояние до источника звука и тем больше помещение, в котором находится слушатель. А уровень первых отражений (early reflection level) много говорит о материале стен помещения. В спортивном зале с бетонными стенами он очень высок и ранние отражения прослушиваются как отчетливое эхо, а в зале с коврами на стенах ранних отражений почти не слышно. Так вот работа с этим параметром и отличает многие профессиональные записи от любительских.

Главное правило - предварительная задержка обязательно должна быть ритмизированной, иначе фонограмма начинает звучать кашеобразно. Время задержки, соответствующее четвертной ноте элементарно рассчитывается по формуле 60000/x, где x - это темп композиции. То есть, если у вас темп 100 bpm (четвертных долей в минуту), то задержка, соответствующая четвертной ноте будет равна 600 мс. Разумеется, для predelay это много. Но возьмите кратное значение - и все будет нормально. Например, 75 или 37,5 мс. А вот теперь можно расставлять инструменты в глубину. Например, дайте на ударные большее значение предварительной задержки (кратное четвертной задержке) - и они <уедут> на задний план. Во многих подключаемых модулях реверберации есть такой параметр как room size, который выражается в ничего ни говорящих числовых значениях. Он показывает плотность прихода ранних отражений (промежуток между ними). Чем меньше зал, тем плотнее приходят отражения. Так вот этим параметром тоже можно пользоваться, только подбирать его уже приходится на слух после того, как выставлена ритмизированная предварительная задержка.

Еще один важный момент - <руление> параметров самого реверберационного хвоста. Разумеется, время реверберации тоже желательно ритмизировать. Но это еще не все. Тембр <хвоста> и его характер (параметры diffusion, type, настройки фильтра и т.д.) должны <попадать> в инструмент или голос. Самый простой способ настроить все это дело - отобрать сигнал в посыл до фейдера, отрубить прямой сигнал и поэкспериментировать с разными параметрами. Причем стоит послушать <хвост> как отдельно, так и вместе с другими инструментами (прибрав их уровень). Характер <хвоста> очень зависит от контекста композиции, так что четкие рекомендации дать сложно - здесь стоит положиться на чувства и интуицию. Но общим моментом должно быть четкое ощущение комфортного для прослушивания конкретной музыки помещения. Железистые призвуки, <рассыпание> сигнала на составляющие, отсутствие фокусировки сигнала в пространстве - все это дело фонограмму убивает. Кстати, лично я единственным более-менее пригодным для нормальной работы подключаемым модулем считаю Waves Rverb. Увы, он <кушает> слишком много ресурсов, так что не всегда его можно использовать на не самых мощных компьютерах. Приходится выкручиваться и использовать другие модули, настраивая их так, чтобы сигналы с них хотя бы приблизительно соответствовали понятию <реверберация помещения>. Только не думайте, что это беда исключительно компьютерных подключаемых модулей. То, что производят некоторые очень даже профессиональные процессоры эффектов сложно назвать реверберацией. С ними тоже приходится возиться очень основательно, чтобы получить нечто приемлемое:

Уровень реверберации для разных треков выставляется сообразно элементарному правилу - чем дальше источник сигнала от слушателя, тем больше уровень реверберации. Однако все зависит, разумеется, от вашего замысла. Можно вообще не использовать реверберацию (в танцевальной музыке, например, можно обойтись только ритмизированными задержками и хорусами), а можно сделать нечто состоящее лишь из одного большого концертного зала, в дальнем конце которого что-то шевелится... Отнеситесь к этому эффекту творчески:

К остальным эффектам, построенным на задержке или модуляции, также применяются все вышесказанные принципы - параметры, LFO, огибающих и задержки лучше ритмизировать, а характер эффекта подгонять под звучание самой композиции. Плюс к этому при создании аранжировки желательно оставлять <дырки> под эффект. Можно нарулить сколь угодно хорошее помещение, где звучит ваша музыка, но из-за чрезмерно плотной аранжировки его просто не будет слышно.

И самое последнее правило: не торопитесь. Сведение - процесс тонкий, и вероятность ошибок очень велика. Но вы ведь не в коммерческой студии, где оплата идет буквально за каждую минуту: Настроили эффекты - отложите работу на пару дней, позанимайтесь другими песнями. А потом все снова послушайте на свежую голову, и, желательно, сразу после прослушивания <фирменных> записей:

Заключение

Запись музыки - занятие сложное. Я думаю, что, прочитав эту статью, вы в этом убедились. Но, если вы в данный момент времени не обладаете необходимыми навыками, знаниями и тренированным слухом - не стоит расстраиваться. Во-первых, если есть желание, всему можно научиться. А во-вторых, даже любительская запись музыки - это потрясающе интересный процесс, который приносит кучу удовольствия. Так что творите, экспериментируйте, идите навстречу всему новому - и рано или поздно у вас все получится.

Сэмплеры и синтезаторы

DjDsQ — Mon, 27 Feb 2012 20:52:31 GMT

Конечно, сейчас речь пойдет о виртуальных сэплерах и синтезаторах. Сейчас многие музыканты, пишущие музыку на компьютере

используют эти виртуальные программы. В мире софта насчитывается сотни, а то и тысячи разных моделей, но я вам расскажу о лучших представителях этих программ. Появление в свое время программы Gigasampler произвело настоящий шок в профессиональном мире: <Как это так - теперь работа с библиотеками формата AKAI доступна всем?>. Профессионалы долго рылись в GS, пытаясь найти у него недостатки, но так толком ничего и не нарыли. Да, у этой программы хуже фильтры и генераторы огибающей, чем у семплеров AKAI, но опять-таки вопрос: насколько хуже? Оказывается, что ненамного. Конечно, если поставить рядом AKAI MPC 2000 и компьютер с GS, и воспроизвести одну и ту же библиотеку ударных, окажется что звук MPC более бодрый, резвый, <хлесткий> и т.д. Но обработай дорожку ударных, созданных на GS компрессором, чуть подыми верх хорошим эквалайзером и результат будет тот же: С фильтрами такая же картина: Так что, уважаемые юзеры SB Live, Halion и Gigasampler, кончайте уже ныть о том, что <вот бы мне такую навороченную фиговину, я бы такое записал:> Ерунда это. Любой грамотный звукорежиссер очень хорошо запишет музыку и на SB Live. И если он сам не скажет, на чем делалась работа, 99 процентов слушателей никогда ни о чем не догадается. Догадаются об этом лишь звукорежиссеры с тренированным слухом, внимательно послушав фонограмму на своих дорогущих АС в студии. А на hi-fi музыкальном центре никто ничего не разберет, даже если будет хоть сто раз звукорежиссером. Другое дело, что хороший звукорежиссер вряд ли будет делать работу на SB Live - у него есть под рукой техника совсем другого класса, на которой просто работать куда комфортнее. Да и звук куда лучше. А тех, кто познал рай, в ад уже не заманишь.

Конечно, Gigasampler уже не является единственной программой такого рода, но он совершил настоящий фурор в индустрии компьютерного звука. Сегодня речь пойдет о: Kompact, Albino, FM-7, Sample Tank.

1. Kompact-много функциональный сэмплер, позволяющий работать с тысячами инструментов из разных библиотек. И импортировать из таких распространенных форматов, как Kontact, Gigasampler, Halion, EXS, Akai и др. Он оснащен шестью мультирежимными фильтрами,

тремя типами огибающих, четырьмя НЧ-генераторами, а также качественными ревербератором, хорусом, фейзером и задержкой. Наконец восьми частотная мультитембральность и 256-голосная полифония-для сэмплера более чем достаточно!

2. Albino- синтезатор подходящий для создания музыки в стиле TRANCE. Имеет банк с готовыми пресетами: Trance and Dance Chord Sounds, Deep Basses, Synth Basses, Super Pads, Dance Leads. Программа содержит два фильтра, два осциллятора, одну огибающую,

матрицу модуляции, два блока эффектов. По-моему хороший синтезатор для производства Trance музыки.

3. FM-7- очень точно эмулирует звучание DX7 и в то же время обладает достоинствами в сравнении со своим аппаратным прототипом:

Имеет более сложную архитектуру, что позволяет получать неслыханные для DX7 звуки.

Обладает дружественным интерфейсом, удобен при использовании в качестве DXi или VSTi.

Может использоваться как в качестве самостоятельной программы, управляемой по протоколу MIDI, так и в качестве DXi- или VST-плагина; Качество мониторинга FM7 зависит только от качества ЦАП звуковой карты, а качество аудиотреков с партиями FM7 вообще ни отчего не зависит и является идеальным, поскольку при выполнении операции bounce (или mixdown) цифровой сигнал с выхода плагина копируется непосредственно в звуковой файл, минуя ЦАП-АЦП

FM7 поддерживает банки Sysx с патчами, созданными для аппаратных синтезаторов линейки синтезаторов DX.

Последний пункт очень важен: все тембры, накопленные сообществом пользователей DX7 в течение десятилетий, доступны для обладателей FM7. Но с учетом пункта 1 довольно часто возникает необходимость внесения дополнений в пресеты DX7 с целью задействования новых по сравнению с DX7 возможностей FM7.

4. Sample Tank- другой программный синтезатор/сэмплер (VSTi), с великолепными банками сэмплов как для классической музыки, так и для производства современного техно. Поддерживает библиотеки AKAI. Имеет несколько эффектов и несколько банков для загрузки инструментов, на мой взгляд, очень прост в изучении.

Вот и все что хотелось рассказать о виртуальных сэмплерах и синтезаторах.

Скретчинг

DjDsQ — Mon, 27 Feb 2012 20:52:16 GMT

После того как вы отработаете искусство сведения, скретчинг должен выглядеть очередным прогрессивным умением, которое добавит "цвета" в ваш диск жокейский сет (а также, конечно, в ваше мастерство ди-джея).
Что такое скретчинг? Это такой звук, получающийся путем проигрывания некоторого семпла в композиции туда-обратно. Hе важно что именно вы собираетесь брать за основу для скретчинга: бит, вокал или нечто иное. Большинство людей при мысли о скретчинге представляют себе пластинку, которую "дергают" туда-обратно, притом, что игла находится в треке. В принципе, ничего неправильного в этом понимании нет, но, думая исключительно так, вы упускаете обширную область разнообразия методов в этом мастерстве :)
Смысл в том, чтобы выбрать такой паттерн (часть композиции, набор семплов), скретчингуя (во слово-то!:) который, вы тем не менее можете можете начать с него сводить. Это может быть сделано путем выбора простого по звучанию паттерна или же (если паттерн сложный) путем медленного проигрывания его туда-сюда до тех пор, пока набор семплов, в этой части композиции звучащий, не "осядет" у вас в сознании. Первые попытки сделать скретч, без сомнения, будут звучать как хаотичный набор звуков, но продолжайте стараться и вскоре вы увидите, с какой легкостью вы находите нужный паттерн.

Проблемы скретчинга:

Один из наиболее часто возникающих вопросов - это: "Почему игла начинает скакать, как только я пытаюсь сделать скретч?" Hу, будем надеяться, что нижеописанные моменты разрешат мучающие вас неурядицы.
Для начала вам необходимо достать парочку хороших слипматов (если вы на самом деле хотите скретчить, то вам прийдется это сделать). Многие ди-джеи (как я писал и ранее), подкладывают под слипмат кусок еще более скользкого материала, например, кусок гладкой картонки. Таким образом трение уменьшается практически до нельзя :) С другой стороны, слишком маленькая сила трения - тоже плохо. Возможно, наиболее частой ошибкой, вызывающей вертикальные колебания иглы, является неверная техника работы рукой. Запомните: оборудование, с которым вы имеете дело (вертушки) на самом деле очень чувствительно к вибрациям, поэтому нагло пихая пластинку то в одну, то в другую сторону, вы просто-напросто будете создавать колебания, которые и заставят иглу "скакать". Идея же заключается в совместной работе руки и глаз/мозга (но, равно как и другие умения, это прийдет с опытом), а не в простом "распиливании" винила иглой. Кстати, не упускайте еще один момент: все вертушки хоть в чем-то да различаются, поэтому для начала привыкните к тому, как отвечает на ваши движения ваш аппарат. Как только вы "подружились" со своим вертаком, можете начинать оттачивать мастерство.
Едем дальше. Есть разница и в пластинках: в то время как одни с трудом насаживаются на центральный стержень, у других цетральное отверстие даже слишком широкое. Такие вот "свободносидящие" также способствуют началам "прыжков" иглы (так как даже при вашем идеальном движении винила, например, против направления вращения, он (винил) может прокрутиться не ровно назад, а под углом - игла моментально вылетит из трека). Если вы собираетесь сводить трек именно с такой пластинки, готовьтесь к сумасшествиям, ибо ни одна гадалка вам не сможет предсказать, куда прыгнет игла :(. Славтехосподи, есть возможность кустарным способом избавиться от подобных проблем: берете скотч, изоленту и т.п. материалы и в один (два, три - по обстановке) слой обматываете стержень. Это увеличит его диаметр, что, возможно, решит проблему.
Следующий способ избавления от прыгающей иглы,- это передвинуть перегрузок так, чтобы на нее (иглу) приходилось большее, чем ранее, давление. Единственная неприятность этого метода заключается в том, что при большом давлении как игла, так и винил изнашиваются гораздо быстрее. Существуют и иные методы увеличения давления: например, на некоторых вертушках высоту тонарма можно менять. Таким образом, придвинув перегрузок в крайнее положение для повышения давления, засчет высоты тонарма, вы получите еще большую мощность "запиливания". Также некоторые ди-джеи приклеивают монетку к картриджу.. Это, конечно, круто, но, встав на такой путь, можете сразу заказывать похороны для иглы и винила. Зато не прыгает иголочка!:)
Итак, когда вы разобрались в основных методах обхода препятствий, пора приступать к работе. Удачно вам повеселиться! :)

Baby Scratch (Скретч по-детски)
Этот вид скретча, наверное, самый простой из существующих. Фэйдер тут, например, вообще не нужен, а сретчуемый паттерн должен быть выбран по принципу наиболее простого для запоминания из имеющихся. Сама процедура скретча - это тупые движения пластинки вперед-назад. Смысл упражнения в том, чтобы движение выполнялось в пределах одного бита (sic!). Польза же его заключается не только в том, чтобы научиться мучать пластинку, а также в оттачивании мастерства "нахождения начала паттерна для сведения". Hо даже при всей очевидной простоте занятия, и здесь есть возможность найти вариации: можно начинать скретч с движения назад, а не вперед или менять длительность "вжиков" :)

Scribble Scratch (Hебрежный Скретч)
Hебрежный скретч очень похож на вышеописанный вариант, но движение производится гораздо быстрее и само оно гораздо менее продолжительно. Внешне движения кисти вашей руки будут похожи на конвульсии, но главное - результат: под иглой должен "ходить" очень и очень маленький отрезок трека, но с дикой частотой.

The Tear (Прерывистый)
Этот вид скретча потребует несколько больше мастерства, чем вышеописанные. В принципе, этот вид мучания пластинки похож на "скретч по-детски", но отличается тем, что при прокрутке винила назад движение надо разделить на две части. За первой половиной пути (обрабатываемой с обычной для baby scratch'а скоростью) следует вторая, но прокручиваемая на порядок медленнее. Чтобы научиться делать этот вид скретча, советую сначала отточить именно движение "назад" (разделяемое пополам).

The Chop (Обрубленный)
Разница между этим типом скретчинга и "бэби скретчем" заключается вот в чем: при движении вперед фейдер (fader) установлен на вывод звука (это также называют "открыт"), когда же начинается рывок назад, фейдер "закрывается". Фишка здесь во времени отсутствия звука: в итоге должна получиться серия коротких неожиданных "вжиков", возникающих, вроде бы, из ниоткуда.

The Forward (Скретч "перемотка")
Очень похож на "чоп" (описанный выше), но вместо того, чтобы делать скретч, при движении вперед (в обычном направлении) пластинке дают прокрутиться на обычной скорости. Затем "закрывают" фейдер, отматывают на начало семпла, "отрывают" фейдер, снова прокручивают часть композиции. Результат - постоянный повтор одного семпла (что, например, можно применить при добавлении в микс вокала). Сложной же частью является запуск семпла в нужное время, причем времени на раздумья просто нет: вторая пластинка крутится и крутится. Дабы облегчить себе работу, некоторые ди-джеи разными способами помечают место начала нужного им семпла (на самой пластинке или на "яблоке" - центре винила).

The Chirp ("Щебетанье":)
Для проделывания подобного трюка нужно неплохо уметь координировать движения рук. Hачните с "открытым" фейдером и сделайте движение скретча вперед как обычно, но ближе к концу рывка уведите звук. При обратном движении выведите звук в начале рывка, а в конце снова уведите. Как вы могли предположить, исходя из названия, должны получиться коротенькие "чирикающие" звуки. Это весьма старый прием, но очень приятный и может быть проделан на разных скоростях для разнообразия.

The Transformer (Трансформер)
Придется попотеть, ибо надо научиться аккуратно, но очень быстро управляться с фейдером. В начале этого скретча "закройте" фейдер. Затем начните дергать пластинку туда-обратно (естественно, игла в треке). Фейдер здесь используется для обрезания/выведения звука. Это-то "туда-обратно" в звуке надо проделать энное количество раз, дабы добиться эффекта "заикания". При завершении скретча "закройте" фейдер.

The Flare (Вспышка)
"Вспышка" подобна "Трансформеру", но отличается позиционированием фейдера, который в данном случае должен быть "открыт". Во время рывка вперед его (фейдер) надо постепенно (но быстро) "закрыть", и тут же "открыть". При рывке назад проделайте то же самое. Завершается "открытым" фейдером.

The Orbit (Орбитальный:)
Он отличается от "вспышки" количеством уведений-выведений звука во время одного рывка при скретчинге. Во время движения вперед (например) типа "вспышка", вы уведете, затем выведете звук. При "орбитальном" скретче это дело надо успеть провернуть раза два. То же мучение при рывке назад, и в итоге у вас должен получиться некий ритм, создаваемый мучениями фейдера, который вы то "закрываете", то "открываете"..

The Crab (Краб)
Это очень трюковая фишка, которая требует не только отлично отработанных ди-джейских навыков, но и нормальное оборудование. Hемного отвлечемся: когда фейдер выставлен так, что вы слышите играющую пластинку, это называется "cut in point" ("точка врезки"). Для выполнения "краба" вам нужно "закрыть" фейдер. Большой палец руки поставьте точно на "точке врезки", в то время как остальные пальцы располагаются точно с обратной стороны бегунка фейдера. Во время рывка пластинки вперед каждый палец по очереди бьет по фейдеру, и, когда тот доезжает до большого пальца, оным (большим) вы отсылаете бегунок назад. Hапример, бьете мизинцем... доходит очередь до указательного. Получаются движения, похожие на движения лапок краба (отсюда и название). Требование к оборудованию такое: фейдер должен скользить с невероятной легкостью, иначе ничего у вас не получится.

Типология DJ сета

DjDsQ — Mon, 27 Feb 2012 20:50:58 GMT

Вы наверное заметили, что большинство моих статей, предназначены в первую очередь для начинающих диджеев, это и не удивительно, поскольку с основными проблемами, диджеи сталкиваются именно в начале своей карьеры. Эта статья поможет начинающим диджеям, лучше понять принципы построения своих сетов. Я конечно не претендую на истину в последней инстанции, однако данная статья плод моего собственного опыта, а так же результат анализа многих других сетов.

Не открою Америки, если скажу, что сет диджея, в идеале, длится ровно 2 часа, но для начала, нужно определить, что считается сетом. Некоторые считают, что это то время, которое играет диджей, но это не совсем верно. При большом желании, за пол часа, более или менее сносно, можно научить сводить даже корову, так что простое сведение, это не совсем игра диджея. Уместно будет вспомнить и высказывания некоторых знаменитых диджеев, которые правильно заметили, что большинство диджеев, делают себе имя на чужом творчестве. Диджейинг, это творческая работа, и к нему нужно подходить именно с творческих позиций.

Итак, как я уже сказал, стандартный сет длится ровно 2 часа, поэтому всё что больше этого, будет считаться длинным сетом, соответственно меньше, коротким сетом. Есть ещё мини сеты, которые по продолжительности менее 1 часа. Структура обычного двухчасового сета, представлена на следующей схеме.

Как видите, я выделил четыре зоны.
I - начало сета
II - вводная часть, которая подготавливает народ к Beat Party
III - Beat Party
IV - заключительная часть сета

Теперь рассмотрим каждую зону более подробно. Чаще всего, 2 часовые сеты делаются диджеями на различных живых выступлениях, поскольку 120 минут, являются стандартом для всех. Как известно, живому выступлению, практически всегда предшествуют разогревочная часть, которая проводится местными диджеями данного клуба, с целью завести толпу. Есть несколько путей перехода с разогревочной части к собственному сету. Наиболее популярная, полная остановка играющего трека, с помощью питча (постепенно убирается на -100%, что соответствует полной остановке). Можно убрать громкость на 0, но это банально. В любом случае, данные операции служат для того, чтобы показать, что за вертушки встали вы. После небольшой паузы, следует начало сета т.е. зона I.

В этой зоне, которая по продолжительности всего 15 - 20 мин. Музыка просто сводится. Треки должны играть с начала и до конца, урезка допускается самая незначительная. Начало служит в основном для стилевого определения. Звучит умно, но на самом деле всё очень просто. Надо показать народу, в каком стиле будет сет. Эта часть сета самая лёгкая и от диджея просто требуется свести 2 композиции, без всяких выкрутасов.

После 15 минут, начинается основная подготовка к Beat Party. Проигрывание треков становится короче. Если трек по продолжительности 7 минут, то играя в начале, сведение должно начинаться минимум с 6й минуты, во второй же части, эта цифра составит уже около 4 - 5 минут. К концу подготовительной зоны, нужно выйти на самые прогрессивные треки.

Добравшись до середины сета, диджей должен показать всё, на что он способен. Beat Party, это самый идеальный вариант, однако можно просто проиграть всё самое прогрессивное. Активное использование микшера, в этой зоне обязательное условие. Если вернутся к продолжительности звучания треков, то здесь эта цифра составит не более 2 минут. Я склонен именно эту зону считать настоящим сетом, остальное просто подготовка к нему. Таким образом, вы видите, настоящий сет, по времени длится всего 20 минут, за которые диджей, должен успеть показать своё мастерство.

Заключительная четвёртая часть сета, это зона, в которой агрессивные ритмы, сменяются на более мелодичные, по времени звучания, длительность проигрывания треков, должна всё время увеличиваться, составив к концу сета, такое же значение, как и в начале. По типу построения, сеты можно разделить на несколько видов.
Линейный - вся музыка сводится по типу, начало нового трека + конец старого. BPM на протяжении всего сета остаётся неизменным. Чаще всего, данный вид сведения используется на радио и служит для обычного обзора музыки.
Прогрессивный - музыка сводится приблизительно так же, как и в первом случае, однако треки, к середине сета, заменяются всё более прогрессивными.
Агрессивный - BPM и громкость увеличиваются, выходя к III зоне на самые быстрые и прогрессивные треки.
Структура коротких сетов (60-80 минут) примерно такая же, однако продолжительность всех четырёх зон сокращена в 2 раза.
Большие сеты, длящиеся иногда по 6 часов, это тот же обычный 120 минутный сет, с единственным изменением. Заключительная часть растянута во времени, причём, как показывает практика, после 180 минуты, сет превращается в обычный линейный. Такие большие сеты, распространены в клубах, где весь вечер играет один и тот же диджей.
Мини сеты (менее 50 минут), довольно специфическая вещь. Чаще всего, такие сеты проводятся на соревнованиях в мастерстве, между диджеями. Присутствует в основном III зона, в которой диджей показывает своё мастерство.

Я перечислил основные типы DJ сетов. Надеюсь, что данная информация, поможет вам, при составлении собственных сетов. Ещё раз напомню, что материал довольно субъективный, поэтому не стоит воспринимать его слишком буквально.

Как получить достойную оплату?

DjDsQ — Mon, 27 Feb 2012 20:50:25 GMT

Вы считаете, что ваш сет стоит гораздо больше, чем за него платят в данный момент? Вероятно, это так. Но существует буквально тысячи других ди-джеев, которые также достойны высокой оплаты. Это "звериная" индустрия и более того, как это не обидно, она имеет дело скорее со связями и способностью к маркетингу, чем с непосредственным талантом.

Основные советы.

Цените свои навыки.
Сначала вы будете выступать бесплатно для всех, но если другие люди делают деньги на вашей музыке, вы без всяких сомнений должны быть включены в денежную 'долю'.

Будьте частью места действия.
Большинство закрытых клубов с жестким фейс контролем имеют замкнутый характер и в них невозможно пробиться, но если вы не проникните внутрь, то будете нигде.

Создавайте собственные треки.
Это самый лучший способ быть замеченным. В наши дни это является почти обязательным.

Как избежать вымогательства и обмана.

Только наличными.
Никогда не берите чек. Наилучший вариант - получить оплату до своего выступления. Тогда вам не придется бегать и спрашивать у всех, что значит 'организатор уехал домой?'

Остерегайтесь выплаты расходов 'из кармана'.
Не верьте никому, кто обещает вернуть деньги за что-либо. Если они покрывают расходы на поездку или размещение в гостинице, как часть сделки, убедитесь, что они открыто платят за это.

Оформите контакт.
Контракт защищает вас с законной стороны, но он является индикатором недоверия. При условии, что многие из ваших ангажементов на одно выступление будут появляться в ходе личных контактов, вы должны внимательно подумать о том, будете ли вы его использовать. Ангажирующие агентства настаивают на письменном контракте и ди-джеи любят его, потому что документ изолирует их от тяжелого вопроса этого бизнеса. Вы всегда должны пользоваться контрактом для ангажементов на одно выступление за рубежом и вне города. По меньшей мере, получите прочную устную договоренность и запишите подробности. Либо просто выпишите текущую дату, детали ангажемента на одно выступление и оговоренную цену и добейтесь от того, кто вас нанимает, эту бумагу. Если будет написано даже на салфетке из бара, это все равно легальный контракт.

Как создать свою репутацию.

Участие в мероприятии.
Это должно быть на самом деле, очевидным. Даже один отказ от выступления может быть разрушительным для вас. Если ваши планы резко меняются, как можно ранее дайте знать об этом организатору и по-настоящему извинитесь.

Не будьте очень доступным.
'Я просто сверюсь со своим расписанием'. Заставьте людей думать, что на вас существует постоянный спрос, даже если вы не выступали несколько недель.

Знайте свою цену.
Представьте, какое количество людей вы пропускаете через дверь. Знайте свою рыночную цену и не позволяйте водить себя за нос.

Следите за своим именем на рекламных листовках.
Вы были ангажированы, но на рекламной полиграфии вас нет. Это также плохо, как настоящий срыв выхода.

Будьте прекрасны и уникальны.
Вы непременно являетесь таковым.

Будьте деловым.
Следите за своими заработками и сверяйте их с суммой, которую вы тратите на пластинки. Если вы играете на виниле, вы уже логически должны стоить дорого, так как весь процесс покупки пластинок трудоемок и дорог.

Сохраняйте свои чеки.
Поездки, пластинки, журналы, канцелярские товары, аудио- и компьютерное оборудование, бензин, гостиницы, счет за мобильный телефон: все законные командировочные расходы должны возместить, если вы работаете на постоянной основе в ночном клубе.

Заведите компьютерную программу мини-бухгалтерии.
Она нужна, по крайней мере, для того, чтобы без труда следить за вашими расходами и доходами.

Как завести себе менеджера.
Менеджер выполняет все операции, которые вы бы делали сами, если бы только у вас было время, ослепляющая амбиция или крошечная часть обычного чутья. Это предусматривает все то, что требуется для вашего благосостояния, известности и стильности. Хороший менеджер будет управлять всеми аспектами вашей карьеры, от получения приглашений до организации производства и работы, связанной с выполнением ремикса, повышения вашего профиля, производства вложений в товарный рынок и организации вашей фотосъемки.
Многие ди-джеи управляются сами, но многие находят попутно менеджера, часто соратника, который верит в них больше, чем они сами.
Менеджеры обычно берут 10-15%, в зависимости от вашей договоренности.
Если ваш бизнес начнется хорошо, менеджер может передать часть обязанностей другим специалистам, таким как агент по ангажированию, агент по рекламе, шофер, бухгалтер и массажист.

DJ Роджер Санчес: "Большинство ди-джеев начинают карьеру, потому что они любят музыку и считают, что это спокойная работа. После того, как я попробовал ее один раз, то попался на крючок. Затем работа перестала быть спокойной, т. к. вы являетесь центром внимания и контролируете толпу, и она в свою очередь стала ведущей силой. Это становится потребностью, противоположностью того, что я хотел делать. У вас нет выбора, вы должны делать эту работу. Это гравитационный колодец. Он вас засасывает".

Высшая Лига.

Она достаточно обширная и отличается от того, что слышал о ней ваш отец (вряд ли ваш папа слышал о Оукенфолде, Саше, Дигвиде, Нормане Куке). Тем не менее это звезды мирового масштаба. Они зарабатывают так много, что редко выступают раз в неделю. Рассматриваются предложения в диапазоне от 10000$ до 50 000$, что должно включать модные отели, билеты на самолет бизнес- или первого класса и другие дерзкие райдеры.

Остальная часть высшей лиги.

Это большие имена. Но все же они находятся пониже, чем почивают на лаврах (например, Тол Пол, Джадж Джулье, Себ Фонтэйн, Джереми Хилл). Эти люди покоряют большие расстояния, направляясь во все уголки страны и за пределы: они получают от 4 000$ до 10 000$ за одно выступление.

Первая лига.

Они получают 1500-4000$ за сет. Некоторые из них (например, Тэрри Фрэнсис, Марк Рэй, 'EZ') счастливы избежать коммерческой стороны и считают, что выполнение любимой работы является более чем достаточным вознаграждением. Другие для того, чтобы попасть в 'высшую лигу', вероятно, будут стараться делать шесть сетов в неделю, чтобы повысить свой профиль.

Вторая лига.

Эти люди дышат тем же воздухом, что и их именитые компаньоны, но редко посещают те же заведения. Их имена появляются в центре множества рекламных листовок, они зарабатывают 500-1500$ за выступление. Это короли и королевы местных баров, постоянно обитающие во дворце Золушки, украшенном коврами и хромом; кроме того, они являются известными людьми в подпольной верхушке.

Третья лига.

Это скандальная группа, начиная от профессиональных диск-жокеев, работающих в клубах и пабах, которые обычно получают 200$ за ночь, до менее известных исполнителей на краю заслуживающих доверие сцен, зарабатывающих 200-400$ пару раз в месяц, потому что параллельно они работают в магазинах пластинок, звукозаписывающих лейблах или букинг-агентствах.

Ассоциация 'Рабочий'.

Это пабные ди-джеи. Это 'разогревающие' товарищи из вашего местного клуба. Рьяный любитель, который зарабатывает 50$ здесь и там, когда он (она) начинает свое восхождение к звездам. Будет работать за напитки, плату за такси и т. д.

Болото с наемными лошадьми.

Иногда выходят из сонного периода, чтобы выступить перед семьей или друзьями. Можно увидеть, как они создают громкий шум посредством своего DJ комплекта на пустой домашней вечеринке или пытаются выполнить некоторые поразительные трюки со 'скрэтчем' перед зрителями, которые представлены ошеломляющими скаутами.

Как найти менеджера.

Агент добывает для вас заказы на одно выступление, только и всего. Они будут распространять ваши миксы, вести переговоры с организаторами, заключать с ними контракты (что будет предусматривать получение невозвращаемой предоплаты в размере 50% вашего гонорара) и может организовывать поездку, размещение, визы и прогулки, если это является частью сделки. Должность звучит прекрасно, но они не будут на вас работать, если вы не сможете заплатить им некоторую сумму.
Агенты берут 10-15% от любых приглашений, которые они добывают для вас (американские агенты обычно берут 20%).
Они сделают все для того, чтобы повысить цену на ваши билеты.
Если они представляют исключительно вас, то будут приглядывать за вашим рабочим дневником.
Некоторыми из них движут деньги, но, в основном, удовлетворение от работы образуется от того, что они видят, как их ди-джеи 'растут' на том или ином месте действия.
Агенты любят, когда с ними обращаются как с менеджерами, поэтому не просите их помочь вам найти утерянные ключи от машины за 20 минут до ангажемента или помочь вам выбрать новый трек для воспроизведения.
Если вы запортите чьи-либо проигрыватели (выльете пиво например), не ожидайте от вашего менеджера помощи в продолжении работы.

Пит Тонг, журнал 'Muzik': 'Наилучшим советом, который я могу когда-либо дать тому, кто хочет проводить танцевальные вечеринки - найти другую работу.

Если у вас нет ответственности, то намного легче потерять почву под ногами. Важно получить некий вид основания или приземленности. Это даст вам ответственность и деньги, что значит, что вам никогда не надо будет делать другие вещи для заработка наличных'.

Кто же они на самом деле?

Организаторы вечеринок избирательны по поводу того, кто получает их приглашения. Вы как ди-джей можете проводить хорошие денежные танцевальные вечеринки пять раз в неделю, но если организаторы не будут считать, что вы обладаете некоторым звездным потенциалом, по крайней мере, в своем жанре, они не будут заинтересованы.

Вы должны отвечать следующим требованиям:
иметь строго заданный стиль (хотя в последнее время и происходит слияние стилей, врятли стоит экспериментировать сводить хард-стили с легким хаусом)
создавать собственные композиции в студии;
привлекать толпы в характерное место действия;
получать промо оттиски из мягкого винила (ацетата).

Если вы являетесь еще не утвердившимся ди-джеем, то агент может иногда рисковать ради вас и сделать ваш проект любимым, но только в том случае, если:
вы известны в пределах места действия специфического жанра;
вас лично рекомендовали;
она услышала, что вы жив и была очень поражена :).

Некоторые ди-джеи предпочитают быть представленными несколькими агентами /агентствами сразу (обычно потому, что никому не доверяют). Это работает хорошо. Вы можете получать много собственных приглашений, но это редко является способом достижения роста вашей стоимости и положения.

Местные агентства.

С ростом танцевального движения в России вы найдете местные агентства в большинстве городов. Для многих из них работа состоит в меньшем продвижении отдельных ди-джеев, а больше в управлении союзом талантов и совмещении его с музыкальными форматами пабов и клубов района. Как правило, этих парней не волнует ваша любовь к своему жанру, они просто хотят знать, что вы упорно работаете, надежны и гибки. Это часто подразумевает наличие кейса, полного пластинками с 'чартами' и некоторых ненормальных навыков обращения с микрофоном.

Микширование

DjDsQ — Mon, 27 Feb 2012 20:50:01 GMT

Сведение - это, в общем-то, и есть один из основных и самых важных навыков диск-жокея. Поупражнявшись сводить композиции, вы сможете брать любые два трека (которые, конечно же, окажутся записанными на разных скоростях) и "соединять" их воедино, создавая то самое, что называется "микс" и что вы можете услышать в клубах, где играют хорошие ди-джеи.
Выглядит и кажется процесс весьма простым, а заключается он в синхронизации композиций. Да-да, это и звучит просто. Но здесь и заключается основной облом, с которым сталкиваются ребятки, любящие «попальцеваться» на тему "Я - ДиДжей!". Тем не менее, именно этот навык из тех, что требуют дикого количества времени для отработки, практики, мучений. Но даже когда вы научитесь сводить треки без единого лишнего движения, все еще останется что-то, чему предстоит научиться :)
Жизнь, как и технологии, штука изменчивая…
Итак, что же конкретно делает процесс сложным? В принципе, ничего особенного... кроме самого процесса. Когда ты впервые встаешь за вертушки, в голове носятся мысли, типа: "Да ща я их сведу и все будет круто," - но всего через пару часов ты уже с неприкрытой злобой смотришь на "эти дурацкие винилы", готовый заорать: "[цензура], да сводитесь же вы, [цензура]!". Скорее всего, сначала у вас получится нечто такое: ставите одну пластинку, и пока она раскручивается, ставите вторую. И вот пока вы пытаетесь подогнать одну скорость под другую, замечаете, что один из треков-то уже закончился :). И такое чудо повторяется раз за разом, раз за разом.. И бесит, бесит вас :). К чему я это пишу? К тому, что, если вы готовы вот таким образом себя мучить, то вы уже на полпути к умению сводить! Для того-то и создана наша "виртуальная школа ди-джеев", чтобы описать оставшиеся полпути, и чуть-чуть подтолкнуть вас вперед при его прохождении.
Итак, с чего начать? Для начала теория. Итак, что есть бит (beat = удар)? Бит - это те самые барабанные "бум-бум-бум", которые вы, я полагаю, уже не одну сотню раз слышали в своей жизни. С другой стороны, в композиции не обязательно присутствует барабан. Тогда бит задается, например, тарелочками ("унц-унц-унц") или чем-то иным. Для учебы советуем брать пластинки с хорошо различимым барабанным битом, хотя бы потому, что композиции подобного типа наиболее типичны. Некоторые начинающие ди-джеи задают вопрос: "А что делать, если некоторое время при проигрывании трека не слышно барабана? Значит ли это, что на данный момент в композиции отсутствует бит?" Ответ прост: конечно же, не значит. Понимайте слово "бит" как "ритм". Когда вы слышите композицию и вас тянет, например, притопывать ногой, кивать головой или же трясти любой другой частью тела с некоторой периодичностью, то вы чувствуете ритм :) Именно он заставляет вас делать подобные телодвижения!
Бит нашли, что такое и с чем едят, поняли. Теперь надо запомнить следующую вещь: в некоторых композициях очень сложно найти это самое чудо - бит. Но если вы его-таки нашли, и вдруг он пропадает (например, зазвучал инструментальный проигрыш), вам надо ни в коем случае не потерять найденное. То есть, считаете мнимые "удары" в уме. Кстати, если вы не знаете, скорость записи измеряется в "BPM" (би-пи-эм - "beats per minute" или "удары в минуту"). Иногда значение "bpm" напечатано на обложке пластинки, но не волнуйтесь, если его там не окажется - данную величину можно примерно вычислить. Было бы даже идеально узнать и записать скорости всех тех пластинок, с которых вы решили начать обучение!
Например, скорость типичной хаус-композиции примерно равна 135 bpm. Если вы не знаете, что за трек будет идти следующим (гы, абсурдная ситуация), выберите какой-нибудь в районе 130-140 ударов в минуту - тогда ошибиться будет сложно. Чтобы вычислить скорость записи, для начала надо установить бегунок питча по цетру (0%). Затем начинается страдание маразмом: нужно посчитать, какое же количество ударов вы слышите ровно за 1 минуту :) Если подобное занятие вас удручает, можете скачать программку "BPM Counter". Запустив ее, просто кликайте левой кнопкой мышки на каждый бит по разу :) - в итоге вы получите результат: скорость композиции будет выведена на экран.
Теперь, когда вы научились определять количество ударов в минуту, вам необходимо знать, что бит, как правило, собран в группки по 4, 8, 16 и 32. Например, если трек начинается с басс-драма (хорошо различимый барабан), и вам надо посчитать удары, то скорее всего эдак после 16-го или 32-го из них в композицию будет введен новый сэмпл. Эта самая группировка в "кучки" по 4 действительна практически для всех треков и является той фишкой, которую неплохо было бы запомнить. Почему? Пусть вы даже подогнали скорости композиций, но, скиксовав их без учета "позиции" (т.е. группки ударов), вы можете тут же обломаться (чуточку изменится звучание основного трека, и все летит в тартарары). Необходимо же создать настолько гладкий микс, что отличить начало одной и конец другой композиции было бы сложно. Не волнуйтесь, если все расписано несколько сумбурно: к данному вопросу мы вернемся позже. Если у вас прямо сейчас под боком есть какой угодно сидюк с электронной музыкой, возьмите его и убедитесь, что после 16 или 32-го ударов хоть что-то в треке да меняется. Даже если это окажется не так ;), советую не забывать мои слова... Поверьте, пригодятся они еще.
Вооружившись выше написанной теорией (пусть даже и весьма сумбурно рассортированной), вы можете смело приступать к учебе. В дальнейшем описании подразумевается, что у вас под рукой две вертушки: левая и правая (которые мы будем называть "дек-1" и "дек-2" соответственно). То, что находится между агрегатами - микшер. Итак, "дек-1" - это наш "лайв" (т.е. с нее изначально будет играться пластинка с которой мы и будем сводить трек с "дек-2"). "Дек-1" не трогать ни при каких обстоятельствах! Любые изменения звучания основной композиции будут слышны людям на танцполе, что моментально спишет все ваши усилия по созданию микса на нет.
Вся работа должна производиться исключительно с "дек-2" и наушниками. Таким образом только вы будете слышать что на самом деле происходит, и сможете полностью контролировать ситуацию. Пока "дек-1" играет, вы прислушиваетесь к ее биту, запоминая его максимально точно (в конце концов, это и есть то, с чем вы собираетесь сводить "дек-2"!). В это время бегунок кроссфейдера (на микшере, конечно) должен быть точно слева (что означает, что играет "дек-1" на 100% установленной громкости). Теперь воспользуйтесь регулятором громкости звучания композиций в наушниках (CUE MIX) и установите его так, чтобы в "ушах" вы слышали "дек-2". Советуем одевать "уши" так, чтобы лишь одно ваше ухо было накрыто. Таким образом, в одном ухе у вас "бумкает" "дек-2", а через другое вы слышите как колбасит на весь зал "дек-1".
Следующий шаг - найти хорошее место в композиции "дек-2", с которого можно начать. Идеал - это первый же удар основного барабана. Немного прокрутите пластинку вперед, затем назад (подогнав иглу к самому началу трека на "дек-2"). Внимательно слушайте композицию "дек-1", затем (как только вы посчитаете, что готовы) отпустите вторую пластинку и слушайте снова...
Хоть "отпустите" и звучит просто, это требует некоторой практики. Вы должны научиться так отпускать пластинку, чуть-чуть ее подталкивая, что она набирает необходимую для сведения скорость и первый же удар с "дек-2" попадает точно в нужное "место" игры "дек-1". Если толкнете слишком сильно, вы хряпнете свой микс с самого начала. Для того, чтобы научиться, сделайте вот что: пусть "дек-1" играет себе и играет, а вы отгоните пластинку на "дек-2" на начало и дождитесь следующего куска:
1 ... 2 .... 1-2-3-4 [ОТПУСКАЙТЕ!]
Теперь, когда вы умеете "отпускать вовремя и в бит", можно начать учиться синхронизации скоростей. Фишка в том, что нужно очень и очень внимательно слушать оба трека одновременно после того, как вы отпускаете пластинку(очередной навык, приходящий с месяцами мучений). Сконцентрировавшись на синхронности звучания обоих треков, вам нужно определить, звучит ли "дек"-2 слишком быстро или слишком медленно. От того, насколько быстро или медленно воспроизводится композиция со второго источника, зависит то, насколько вам предстоит подправить положение бегунка питча. Звук неверно сведенных треков называется "перебитовка" и звучит примерно так: "ту-дум ту-дум." И такое несовпадение лишь ухудшится с течением времени (это-то и есть кошмар ди-джея). Я полагаю, вы понимаете, о чем идет речь, ибо все встречаются с такой неприятностью в начале своего обучения.
Поэтому как только вы услышите начинающуюся перебитовку, вам надо сделать одно из двух: первое - это остановить, вернуть на начало вторую запись, после чего отрегулировать питч и запустить ее заново; второе - это более сложный способ, требующий некоторого умения: надо отрегулировать питч прямо "во время полета".
Первый шаг - это подогнать бит с "дек"-2 к биту "дек"-1 путем легкого подталкивания или притормаживания (в зависимости от вида перебитовки) пластинки. Как только бит совпадает, можно обратиться к питчу. Например, если вам пришлось подталкивать пластинку для синхронизации битов, то питч следует поднять чуть выше (и наоборот). Когда вам покажется, что процесс сведения завершен, послушайте-ка еще раз то, что получается при одновременном звучании двух треков: вы можете быть неприятно удивлены результатом. :) Естественно, для такого прослушивания лучше использовать регулятор "Cue Mix" (Два трека в "ушах" одновременно). Если все замечательно, то, видать, судьба :) Смело беритесь за кроссфейдер и - вперед!
Да, не отрицаю, что потребуется время для того, чтобы вы научились с легкостью сводить треки. Не стоит выбрасывать пластинки, крушить вертушки и микшер, если у вас сотню раз подряд не хватает времени для сведения. Попробуйте в сто первый раз - у вас получится. С каждой попыткой время, требуемое для синхронизации композиций, будет уменьшаться. Когда вы отточите мастерство до устраивающей вас отметки, вы увидите, что времени для поиска ответа на вопрос: "С какого момента лучше начать выведение второго трека?" - будет на порядок больше. Удачи!

Что требуется, чтобы стать ди-джеем

DjDsQ — Mon, 27 Feb 2012 20:49:43 GMT

Здравствуй любитель музыки! Если ты все же решил стать DJ`ем, то наверное задашь себе такой вопрос: Что мне для этого потребуется? Не будем забегать вперед и начнем все по порядку:

1) Для начала тебе потребуются знания в музыкальных стилях и направлениях, т. е. понять, что есть ху…, а что есть рулиз. Начни с тех, которые ты часто слушаешь, ну там радио или просто компактики.

2) Идем далее… Навыки в познании аппаратуры. Это самая главная ступень в ди-джействе. Тебе придется приобрести кучу техники, в список которых обязательно должно входить следующее: вертушки или же профессиональные Cd плееры (стандартно 2, некоторые профы управляются сразу с 3 вертушками, такие как Карл Кокс, в принципе есть разные конфигурации где используеться одна вертушка и один "сидюк"), микшерский пульт (желательно не меньше 3 полос ведь кроме источников сигнала нужен и микрофон для тебя или же MC), наушники (желательно, чтобы уровень громкости был не ниже 100 дБ и хорошо прикрывающие звук снаружи), усилитель мощности (с выходной мощностью НЕ МЕНЕЕ 100 Вт) плюс хорошие, трехполосные колонки с мин. мощностью 300 Вт, BPM счетчик. Сюда же можно приплюсовать запасные иголочки к вертушкам, ну и наверное парочку пластинок и компактов (учится на чем-то ты должен!) После того, как ты все это приобрел, подключи это все. В принципе, некоторые умники умудряются вести дискотеки на чужой аппаратуре, тобишь клубной. Конечно этот вариант самый хороший для начинающих, НО своя аппаратура лучше тем, что ты к ней привыкаешь, знаешь чо будет если чуть-чуть повернуть какой-то регулятор, вообщем знаешь её досконально.

3) Следующим на очереди стоит покупка музыки. Конечно порадовать публику 3-х годичной давности музыкой у тебя не получиться так что надо идти в магазин. Непонятно почему но многие DJ`и начинают крутить попсу… эх.. и мы из техже DJ Но через некоторое времени большинство одумываются и начинают крутить нормальный музон, выкидывая пластинки с Бритни Спирс из окна, хотя вполне возможно эти пластинки еще пригодятся, клубы разные бывают, да и денег никогда не бывает много. Настоятельно рекомендую дома не сидеть сложив руки, а новые пластинки или компакты погонять путем. Незабывайте пробывать использовать какие-нибудь эффекты в разных местах песен, естественно попробывать сводить (микшировать) разные треки для того, чтобы на вечеринке использовать наилучший вариант звучания песни. Да, и еще не забывайте регулярно обновлять свой репертуар.
4) Теперь надо найти себе работу. Для этого нужно найти кучу друзей так или иначе связаных с клубами (работают в них), ходить к различным босам и просить, чтобы они хотя бы послушали, что ты можешь и чего не можешь. Или же предложи провести первую дискотеку бесплатно. Ну вот собственно теперь ты Dj.

Спросишь - ну и что с этого, - я отвечу - теперь надо пробиваться к вершине славы. А как стать известным читай дальше...

Домашняя студия звукозаписи. Принципы и основы

DjDsQ — Mon, 27 Feb 2012 20:49:10 GMT

На современном этапе развития техники, компьютерная студия на базе РС, превосходит по своим возможностям профессиональные студии Лондона и Лос-Анжелеса пятнадцатилетней давности.

Современные профессиональные студии отличаются от домашних в большинстве своем возможностями производства многоканального и hi-res-звука (аудио высокого разрешения), продуманной акустикой контрольных помещений, сложной мониторинговой системой и наличием специалистов высокого класса. Но, согласитесь, сейчас простой аудио-компакт диск (CDDA) является основным пользовательским стандартом и уйдет он очень не скоро. А это 16 бит, 44.1 КГц… Массовое производство CD началось в конце 80-х, и тогда это подразумевало очень сложный производственный процесс, а сегодня ведь совсем нет проблем в записи, сведении и мастеринге собственного CD в домашних условиях. Это основное отличие 2003 года от начала 90-х. Я могу немного "приоткрыть тайну" и сказать, что половина той музыки, которую вы слышите по радио или ТВ, производилось на РС, технические характеристики которых соизмеримы с вашим домашним компьютером. Задачей этого материала является освещение основных вопросов по комплектации домашней профессиональной студии, "на выходе" которой вы сможете получить качественный продукт, который могут принять в ротацию.
Тракты

Современный тракт студии звукозаписи состоит из двух основных частей: аналогового и цифрового. Раньше все записывалось на аналоговые носители. Поэтому были очень большие потери при копировании с одного накопителя информации на другой. Другой минус чисто аналоговых трактов состоит в погрешностях в управлении. Например, мой по сей день любимый синтезатор Roland Jupiter-8 (начало 80-х), не мог позволить точную настройку звучания. Все зависело от многих параметров: степени "нагретости" и т.п. Даже один раз крутанув ручку потенциометра, вы потом не сможете точно зафиксировать ее в исходное положение. С приходом цифровых технологий все существенно изменилось и упростилось. Во-первых, стало доступно копирование цифрового звукового сигнала без потерь в качестве. То есть вы можете копировать аудио-CD "один к одному". Партии музыкантов стало возможным редактировать, копировать отдельные куски, собирать свои партии на их базе без потерь в качестве. Но и позиции музыкантов немного поменялись, так как теперь главный человек в студии - это звукорежиссер. Во-вторых, найдя нужную настройку для эффект-процессора/плагина (пресет), вы сможете потом воспроизвести ее с той же точностью в любой момент. Плюсы цифровых трактов стоит рассматривать и из физических соображений, поскольку теорема Нейквиста-Котельникова подверждает, что дискретный цифровой сигнал с частотой дискретизации 44100 Гц воспринимается человеческим ухом как непрерывный во всем слышимом частотном диапазоне. Цифровые тракты не стоят на месте и развиваются таким же темпом как и раньше. Если посмотреть на все со стороны, то пользователю, нужно одно - выпустить компакт-диск со стандартными значениями 16 бит, 44.1 КГц. Если видеть ситуацию именно с таких позиций, то все вопросы с супер-технологиями отпадают. Мы не выбрали и 50% от того арсенала, который сейчас доступен в диапазоне $200-500 (аппарат) и $400-800 (ПО). Поэтому основное золотое правило домашней студии: соразмерность аппаратной части и программного обеспечения. Если она будет найдена, то на выпуск продукции вы будете тратить намного меньше времени. По собственному опыту могу сказать, что по отлаженной рабочей схеме можно выпускать по одной-две композиции в неделю (начиная от записи и заканчивая профессиональным мастерингом). И, в принципе, не важно делаете вы это на базе Celeron-300 или Pentium-4, главное - это соразмерность аппарата и ПО. Если говорить о современных трактах звукозаписи, то они просты: микрофон/инструмент - предусилитель - (АЦП-(компьютер)-ЦАП) - микшер - усилитель - акустические системы. На современном этапе вся обработка идет в компьютере за счет программно-аппаратного обеспечения. Соответственно, "аналог" сейчас используется по минимуму - только микрофоны, звукосниматели, кабели, предусилители, микшеры и акустические системы (колонки). Все остальное возлагается на плечи компьютера.
Аналоговые тракты

Звуковая волна, распространяющаяся в воздухе, может быть преобразована в электрический (или как его еще называют, аналоговый) сигнал. То есть, изменения давления в воздухе должны быть пропорциональными изменениям напряжения или силы тока. Частота пульсации воздушной волны должна быть равна частоте пульсации напряжения или тока. Таким образом, мы переносим всю звуковую информацию в электрическое поле, и передаем ее посредством электрического сигнала. Устройства, которые позволяют произвести преобразования акустическая среда > аналоговый сигнал, называются микрофонами и звукоснимателями. Вот как раз на микрофонах мы и остановимся несколько подробнее, поскольку это одни из самых важных элементов студии.
Микрофоны

Микрофоны - это акустико-электрические преобразователи. Основная задача, которую решают эти устройства - превращения изменений колебаний воздушной среды (изменений звукового давления) в изменения электрического сигнала. Основные понятия, которыми можно описать микрофон следующие:
Тип преобразования (динамический, конденсаторный);
Тип, предназначение микрофона (инструментальный, голосовой)
АЧХ;
Направленность;
Техническая спецификация;
Конструктивные особенности.

Сейчас наибольшее распространение получили динамические и конденсаторные микрофоны. Принцип действия динамического микрофона очень прост. К мембране, которая "ловит" звуковые волны и реагирует на них, снизу прикреплена катушка. Внутри катушки стационарно установлен магнит, прикрепленный к корпусу капсюля. Изменение положения катушки относительно магнита превращается в изменения электромагнитного поля и тем самым формируется электрический сигнал. Конденсаторный микрофон еще более прост в объяснении, так как его мембрана является одной из обкладок конденсатора. Изменения ее состояния, превращаются в изменения электрической емкости и как следствие электромагнитного поля. Таким образом, мы также получаем аналоговый сигнал. Сигнал конденсаторных микрофонов получается очень слабым, и ему необходимо дополнительное усиление. Но с другой стороны, мембрану конденсаторного микрофона можно сделать очень тонкой и легкой, за счет чего мы улучшаем параметр чувствительности и расширяем частотный диапазон. Для конденсаторных микрофонов используется несколько типов усилителей, наиболее распространенным из который является транзисторный вариант. Многие из вас сталкивались с понятием "лампового" микрофона, что говорит о типе используемого усилителя. Также имеют распространение электретные микрофоны, где пластины конденсатора сделаны из специального материала и постоянно находятся в заряженном виде. Всем конденсаторным микрофонам требуется дополнительное питание, именуемое фантомным. Стандартный вариант - постоянное напряжение 48 В. Такое питание имеется в большинстве микшеров и предусилителей. С развитием видео и киноиндустрии фантомное питание встраивается и в некоторые типы профессиональных видеокамер. Если говорить о положительных сторонах конденсаторных микрофоном, то кроме выигрыша в чувствительности мы получаем преимущество в возможностях изменения направленности микрофона, или как говорят диаграммы направленности. Для обычной мембраны стандартной диаграммой является кардиоида. В большинстве моделей используют два капсюля и располагают их "спина к спине". Далее все зависит от поляризирующего напряжения. Если оба капсюля находятся в фазе, то микрофон ловит весь звук вокруг себя и такая диаграмма называется круговой. Если же они находятся в противофазе, то мы получаем "восьмерку". Все остальные диаграммы носят комбинационный характер. Кондесаторные микрофоны также делятся по размерам используемых диафрагм, которые могут быть малыми и большими. Первый вариант лучше себя характеризует с точки зрения достоверности АЧХ, ширины частотного диапазона и выдержке большего звукового давления. Конденсаторные микрофоны с большими мембранами обладают большей долей чувствительности и меньшим уровнем шума. Они чаще всего используются в студиях и, в большинстве своем, достаточно дороги. При этом страдает достоверность, поэтому говорят, что такие микрофоны "украшают" звук. Стоит отметить, что это весьма субъективный параметр, воспринимаемый на слух.
Основные технические характеристики микрофонов:
Номинальный частотный спектр. Это тот спектр частот, который может идентифицироваться после микрофонного преобразования.
Неравномерность частотной характеристики. Этот параметр характеризует разность между максимальной и минимальной чувствительностью микрофона в пределах номинального диапазона частот.
Чувствительность микрофона. Этот параметр характеризует отношение выходного напряжения к звуковому давлению. Измеряется в милливольтах на паскаль (мВ/Па).
Перепад чувствительности "фронт/тыл".
Выходное сопротивление.
Cопротивление нагрузки. Сопротивление нагрузки должно быть как минимум в три раза больше выходного сопротивления.
Уровень чувствительности. Этот параметр отражает уровень мощности, развиваемой микрофоном в номинальную нагрузку при давлении в один паскаль. Указывается в дБ.
Максимальный уровень звукового давления.
Уровень собственных шумов.
Динамический диапазон. Определяется как разность предельного звукового давления и уровня собственных шумов.

На современном этапе микрофоны делятся также на инструментальные и голосовые. Если микрофон не нужно держать в руке, а, например, подзвучить им бас-бочку, то он может любой формы и любых размеров. Также в нем не нужно задействовать весь частотный диапазон, достаточно ограничить его сверху до 12 КГц. На самом деле инструментальные микрофоны - это часто устройства с субъективно измененной формой АЧХ. Используются они только в дорогих студиях. Их часто пытаются классифицировать по типу использования, инструменту, форме. Но, обычно это ни к чему не приводит, поскольку все зависит от производителя. Захочет он выпустить новую модель в виде пирамиды, будут "инструментальные микрофоны пирамидного типа". Большинство звукорежиссеров предпочитают пользоваться "всеядными" моделями, которые подходят и для вокала, и для инструментов. Например, это такие модели как Shure SM 58 (динамический), AKG C 3000, AKG C 414, Neumann U87 и так далее. Не маловажные параметры при выборе микрофона - это его цена и советы специалистов.

О субъективности восприятия…

Сейчас идет очень много споров об объективности оценок звукового оборудования. Как это провести наилучшим образом. Я приведу пример, который стал уже классическим. Когда в 90-х фирма AKG задалась целью поставить в производство свою легендарную модель микрофона C12, то разработчики столкнулись с неожиданной проблемой - все прототипы, взятые для новой серии, отличались друг от друга. Объяснялось это тем, что в 60-х и 70-х производственный процесс не отличался цифровой точностью. И, в результате, каждый AKG C12, выпущенный в то время имел свое звучание. Выход нашли очень простой - взяли десять лучших прототипов, усреднили параметры и поставили в производство. Название поменялось на C12R. На сегодня это один из самых дорогих микрофонов.
Предусилители, микшеры, аналоговые устройства обработки

Предусилистели - это специальный класс устройств, позволяющих поднять уровень микрофонного сигнала до уровня линейного. В большинстве случаев современные предусилители имеют на борту дополнительно встроенные устройства динамической обработки (компрессор/гейт/лимитер) и частотной коррекции (эквалайзер). В некоторых моделях предусмотрены дополнительные возможности по удалению артефактов, например, такие как "де-эссер" (исправляет свистящие и шипящие). В предусилителе обязательно должно быть предусмотрено фантомное питание для подключения конденсаторных микрофонов. Некоторые начинающие специалисты, которые уже сталкивались с подобным типом устройств, часто спрашивают, зачем там стоит разделение на микрофонные и линейные входы? Я объясню: дело в том, что модули динамической обработки и частотной коррекции в одном приборе - это очень удобно для первоначальной обработки сигнала. Предусилители могут быть встроены и в микшеры - сложные коммутационные устройства, предназначенные для смешивания сигналов. Микшеры подразделяются по предназначению: студийные, концертные, эфирные, и по типу коммутируемых трактов: аналоговые и цифровые. Цифровые микшеры используются большей частью в студийных условиях, хотя сейчас можно говорить и о цифровой революции в сферах теле- и радиовещания. Большинство современных цифровых моделей могут управляться программно из компьютера. В домашних условиях в основном пользуются небольшими консолями производства Behringer, Yamaha и Mackie. Стоят они не дорого - $150-200. Если у вас более двух источников звука, то такой тип устройств вам необходим. Хотя мы можем предусмотреть и другой вариант, если у нас стоит многоканальный аппаратный интерфейс - использовать программный микшер в компьютере и простую коммутационную панель, которую можно сделать самому. Аналоговые устройства обработки сигнала уже отжили свое, за исключением некоторых профессиональных и дорогих моделей с большим количеством патентов. Цифровая обработка гораздо лучше и качественнее. Хотя в варианте с предусилителями - небольшая корректировка АЧХ на начальном этапе не повредит.
Электрические цепи, кабели, разъемы и заземление

Если вы думаете, что электрические цепи - это просто, то вы ошибаетесь. Незнание этого вопроса может повлечь за собой огромную вереницу проблем. На моих глазах люди палили дорогущие приборы из-за отсутствия заземления, а неправильно выбранный кабель мог создать много проблем при "живом" концертном микшировании. Начнем по порядку. В основном мы встречаемся на практике с четырьмя видами кабелей: одножильные, "витая пара", квадропольные и комбинированные. Одиночные кабели весьма просты по конструкции, они состоят из проводника в изоляции, экранирующей обмотки и второго слоя изоляции. Такие кабели предназначены для несимметричного подключения микрофонов и инструментов и произведения простейшей коммутации. Витая пара представляет из себя несколько более сложную структуру, поскольку там находится два изолированных проводника, помещенные в органический изолирующий слой (хлопок или что-то подобное), экранирующей обмотки и внешнего слоя изоляции из поливинилхлорида или подобных соединений. Квадропольные кабели как видно из названия состоят из четырех проводников. Их используют в качестве помехоустойчивой витой пары. Комбинированные кабели состоят из множества более простых, заключенных в некую оболочку. Вы их можете встретить на концертах или больших студиях (их иногда называют "кишкой"). Проводники изготавливаются чаще всего из меди - это самый дешевый вариант. Чуть дороже использование специальной бескислородной меди (Oxygen-Free Copper, OFC), изготовленной путем переплавки при пониженном давлении. Ну и самый дорогой вариант, как вы понимаете, - серебро и золото. Экранирующая обмотка, применяемая в звуковых кабелях бывает трех видов - фольга, спираль и проволочная сетка. Так основной задачей этого элемента кабеля является защита от внешних электромагнитных помех, то самый важный параметр - это степень покрытия. Например, в варианте с фольгой она приближается к 100%, спираль - до 80%, сетка - между ними. При этом немаловажную роль играет и такой параметр как гибкость кабеля. Вы понимаете, что если экранирующая обмотка из фольги, то кабель сильно не перегнешь. Поэтому, например, в концертном варианте используют кабели со спиральной или двойной спиральной обмоткой. Если описывать кабель с точки зрения электричества, то он имеет свое сопротивление, индуктивность, возникающую между проводниками и между проводниками и обмоткой, и емкость, возникающую там же. Обычно производитель указывает все эти величины относительно длины равной 1 метру. Так как сигнал переносится переменным напряжением и током, то сопротивление играет немаловажную роль. Чем длиннее проводник, тем слабее становится сигнал. В условиях большой протяженности кабелей обычно в цепь дополнительно подключают линейный усилитель сигнала. Хотя производители пытаются сделать сопротивление минимальным, и оно действительно мало. За счет того, что в кабелях возникают емкость и индуктивность, они могут влиять на АЧХ сигнала, работая как частотные фильтры. Это зависит от длины кабеля, его конструктивных особенностей и от выходного сопротивления цепи, к которой этот кабель подключен. Если говорить о коммутации источника сигнала и нагрузки, то должно действовать правило, согласно которому полное сопротивление источника должно быть намного меньше сопротивлению нагрузки. Это правило не относится к высокочастотным и цифровым линиям. Электрические цепи предусматривают наличие помех. Экранирование и коммутация его на "землю" позволяет нам избавиться от статического электричества и радиочастотных помех. Витая пара позволяет нам избавиться от других проникающих внешних сигналов и помех (не стоит забывать, что кабель у нас работает как антенна). Одножильный кабель будет их просто привносить в сигнал, но если мы будем применять симметричную коммутацию, в которой через один проводник сигнал будет подаваться без изменений ("горячий"), а во второй - в противофазе ("холодный"), то потом при вычитании второго сигнала из первого мы удаляем все помехи и выигрываем в амплитуде полезного сигнала. Таким образом, симметричная коммутация является одной из самых правильных. Для симметричной (балансной) коммутации используется три стандартных типа разъемов: джеки, мини-джеки, XLR. Иногда контакт общего проводника запаивается на корпус. Единственное, что хочется отметить, что на некоторых видах аппаратуры как "горячий" указывается 3 контакт (специально указывается фразой типа "3 - "hot").

При несимметричной (небалансной) коммутации используется четыре стандартных типа разъемов: джеки, мини-джеки, XLR и RCA (тюльпаны). Чтобы сделать из XLR небаланс, нужно просто не задействовать 3 контакт, то же относится к стерео-джекам и стерео-мини-джекам. Как мы понимаем, симметричная коммутация является лучшим способом избавления от помех, поэтому лучше всего стараться использовать только ее, где это только возможно. Теперь поговорим об одном из самых важных моментов коммутации студии - заземлении. Заземление может избавить цепь от электрических помех, неадекватного взаимодействия подключенных устройств, а также от поражения человека электрическим током. Обычно заземление состоит из заземлителя и заземляющих защитных проводников. Заземлитель - это металлический проводник, находящийся в грунте, заземляющий защитный проводник - это металлический проводник соединяющий аппаратную часть вашей студии и заземлитель. В качестве естественных заземлителей можно использовать железобетонные конструкции, в качестве искусственных - металлические контуры, стержни, закапываемые в землю. Крайне не рекомендуется использовать в качестве заземлителя водопроводные трубы и батареи. Эффект может быть обратным.

При подключении устройств к заземлению также могут быть ошибки. На рис. 2 показан эффект так называемой "земляной" петли. Как вы видите, от устройства А есть два земляных пути - через сеть и через устройство Б посредством экранирующей обмотки звукового кабеля. Это рождает ряд проблем - в звуковом сигнале, поступающем на устройство Б, добавляются дополнительные помехи, "земляная" петля работает как антенна. Если вы подключили мощное устройство, то в цепи могут возникнуть серьезные перепады напряжения. Получается, что на вход устройства Б подается сигнал достаточно сомнительного качества. Решение данной проблемы называется "развязкой "земляной" петли" и подразумевает под собой следующее - на звуковом кабеле от устройства А до устройства Б, у входа последнего экранирующую обмотку отсоединяют от земли. То есть, кабель получается соединен с землей только со стороны устройства А. Если мы имеем дело с несимметричными связями, то данный процесс происходит гораздо сложнее - нужно предусматривать несколько типов "земель", звуковую и сетевую. Это смогут сделать правильно только специалисты, обладающие определенными навыками.

Все аппаратные средства заземлены в одной точке, которую часто называют "Меккой". Дополнительно рекомендовано использовать специальные источники питания, в которых существуют специальные фильтры, защищающие от помех и внешних воздействий. Эти опции являются стандартными для дорогих систем бесперебойного питания (UPS). В профессиональной технике часто присутствуют кнопки включения отключения заземления, что иногда может решить проблемы с несимметричными связями. Еще одна немаловажная деталь, о которой стоит сказать - влияние переходных процессов. Переходные процессы - это явления, возникающие при включении/выключении оборудования. Например, многие из вас видели, как гитарист вынимает из гитары джек и после этого раздается громкий неприятный звук, который может испортить всю студийную технику, начиная от предусилителя и заканчивая колонками. Звуковой тракт опишем следующей последовательностью: микрофон/инструмент, предусилитель, компьютер/магнитофон, микшер, усилитель, колонки. Так вот включать нужно все в таком порядке как я и перечислил. То есть сначала микрофон, потом предусилитель, потом компьютер, за ним микшер, за ним усилитель и колонки. Отключать нужно в обратном порядке, начиная с колонок. Если вы включаете или отключаете устройство при остальных включенных, сделайте это так, чтобы следующий в списке элемент имел минимальную чувствительность. Например, включая микрофон, установите чувствительность предусилителя в ноль (если подключаете конденсаторный микрофон, то отключите сначала фантомное питание). Если отключаете компьютер, выставьте фэйдеры на микшере в ноль и так далее. Данная схема призывает к порядку и сохраняет работоспособность аппаратуры.

Цифровой тракт

Аппаратный звуковой интерфейс должен соответствовать следующим требованиям:

Быть современным.
Быть популярным. На самом деле даже в самых удачных профессиональных вариантах мы говорим о всего лишь десятках тысяч проданных устройств по всему миру (в профессиональной технике для каждого устройства указывается его порядковый номер, вы можете всегда узнать какое ваше устройство по счету). А производитель хочет кушать, ему нужны деньги на развитие, поддержку и т.п. Популярность продукта на рынке может являться небольшим гарантом сервисной поддержки больше чем на год.
Производитель должен гарантировать обновление драйверов для будущих версий ОС.
Поддержка 32 бит и частоты дискретизации до 96 КГц.
Поддержка ASIO-драйверов, современных протоколов синхронизации.
Многоканальность (или предусматривать такой апгрейд).

Это все. Я не обратил ваше внимание на два существенных параметра - отношение сигнал/шум плюс общие гармонические искажения (SNR + THD) и наличие встроенных предусилителей для микрофонных входов. SNR + THD всегда указывается приближенным к идеалу. И даже есть казус, что для плат за $60 указывается такое же значение SNR + THD как и в платах за $1500. Это не совсем верно и в реале имеет совершенно другое значительное расхождение. Встроенные микрофонные предусилители в большинстве саундкарт и интерфейсов выполнены несколько хуже своих аппаратных собратьев. Поэтому стоит задуматься о внешнем предусилителе, причем сейчас очень хорошо активизировались dbx и Focusrite на рынке средних цен (~ $500), к тому же TL Audio может вам сегодня предложить очень недорогие модификации. О 3D-движках, встроенных эффект-процессорах и т.п. говорить также не стоит, поскольку любой профессиональный программный плагин (подключаемый модуль - plug-in) будет на голову выше по качеству реализации программно-математической алгоритмической модели реализации этого эффекта. При этом современные программы позволяют устанавливать программную обработку в режиме реального времени на входные и выходные сигналы.
Программное обеспечение

Каждые полгода мы публикуем "Музыкальный софт-рейтинг", где описываем лучшее и наиболее современное программное обеспечение. Но тут есть один нюанс - соразмерность, о которой мы говорили чуть раньше. Если у вас Duron-900, то вы сможете сделать и из него рабочую станцию, способную выпускать качественную продукцию. Яркий пример - прочитали новый обзор, поставили супер-программу, работает она наполовину, компьютер глючит, нужно делать апгрейд и т.п. Знакомо, не так ли? Система "компьютер - звуковой интерфейс - ПО" должна быть замкнутой.
Акустические системы

В большинстве случаев в домашних условиях мы сталкиваемся с необходимостью использования активных акустических систем (активных мониторов) ближнего поля. Они достаточно дешевы и удобны, причем не требуется дополнительный блок усиления, так как он уже встроен в колонки. В основном, распространены модели от производителей Yamaha, Genelec, M-Audio, JBL и Behringer. Важными параметрами при выборе подобных систем является частотный диапазон - чем шире, тем лучше, и линейность АЧХ. В хороших мониторах должна быть возможность настройки АЧХ, поскольку звучание колонок будет зависеть не только от самих колонок, но и от параметров помещения. Также в последнее время получили распространение системы 4.0, 4.1, 5.0, 5.1 и 7.1. В пользовательском ценовом диапазоне они пока не дают того качества, которое необходимо для производства профессиональных фонограмм. При этом в рамках данной статьи мы рассматриваем студию для выпуска качественного CD, не больше...
Наушники

В принципе, важные характеристики для наушников те же что и для акустических систем, только тут стоит отметить, что наушники бывают двух типов - закрытого и открытого. Для сведения рекомендовано использовать наушники двух типов. Основное различие прослушивания фонограммы в наушниках и на мониторах состоит в том, что в последнем случае мы слышим перекрестные каналы (в левое ухо доходит звук из правого канала, и наоборот). Поэтому в наушниках звук получается более раздельным и ярким. Мониторинг следует производить и в наушниках и на мониторах.
Безопасность

Прослушивание на мониторах - не больше 6 часов в сутки, с перерывами по 15 минут в течение каждого часа. Работа в наушниках - не больше 4 часов в сутки, с перерывами по 20 минут в течение каждого часа. Строгих нормативов пока нет, и эти данные я привожу исходя из собственного опыта и чтения умных книжек. Что такое "подсевший" слух в конце рабочего дня, я уже не раз ощущал на себе. Кстати, во многом поэтому мне не нравится нормированный рабочий день звукорежиссеров на радио (иногда по 8 часов непрерывной работы, а если начальник сказал, то и больше). Обращайте внимание на безопасность труда и следите за своим здоровьем. Если вас начинают раздражать громкие звуки, на которые другие люди не обращают внимания - это первый признак того, что нужно два дня побыть в тишине.
В завершении

Давайте теперь подумаем, что мы подразумеваем под "домашней студией звукозаписи". Конечно, это целый класс студий, сердце которых - компьютер, также установлены мониторы ближнего поля и используется небольшой набор микрофонов и пара-тройка инструментов. Они находятся в гаражах, офисах, подвалах, жилых помещениях, "коморках". Домашняя студия - это где человек сам себе хозяин. Не стоит недооценивать долю продукции, произведенной на домашних студиях на медиа-рынке. Она составляет примерно половину от общей массы. И, соответственно, домашние студии забирают половину денег от этого рынка. Крупных профессиональных студий меньше, но и цены, соответственно, дороже. Главное, что подарила нам цифровая революция - это независимость. За что ей и спасибо. Ну и напоследок - сюрприз!

SINTEFEX FX8000 REPLICATOR

Все аналоговые устройства и тракты можно сэмплировать, или говоря иначе, сделать для них программные математические шаблоны. Именно за шаблонными устройствами будущее звукорежиссуры. Главная задача, которую решает SINTEFEX FX8000 REPLICATOR - захват процессов обработки аналогового сигнала и их повторение в цифровом виде. Другими словами, он использует входную и выходную АЧХ сэмплируемого аналогового тракта, и, сравнивая их, составляет сложную математическую модель - шаблон тракта. Таким образом, мы можем, например, пустить сигнал на аналоговый компрессор, измерить, как этот сигнал изменился на выходе, сравнить и составить математическую модель. Тем самым создаем шаблон устройства. Помимо этого, FX8000 уже готов к использованию в качестве восьми-полосного эквалайзера, компрессора и эффект-процессора для систем 5.1 и 7.1. Большинство внедренных устройств "отсэмплировано". И поэтому, если мы говорим о FX8000 как о компрессоре, то подразумеваем большое количество аналоговых компрессоров. Устройство уникально по сути и используется во многих киностудиях и студиях звукозаписи мира. Дополнительную информацию можно узнать на сайте разработчиков - http://www.sintefex.com/. Скоро появятся подобные программные модели.

Читайте чтобы звучать

DjDsQ — Mon, 27 Feb 2012 20:48:44 GMT

Собственно, что отличает хорошего музыканта от плохого? Результаты. Результаты в абстрактном смысле - плод какого-либо труда. Поскольку способность к сочинительству является не трудом, а талантом, то трудом можно назвать действия по развитию этого самого таланта, по оформлению его в высокий уровень качества.

Любой человек в любом деле для получения высоких результатов должен иметь опыт и знания. Опыт приходит с годами, а знания - с их получением. К сожалению, музыканты, создающие музыку на компьютере (и, добавим, не только они), совершенно чужды к какому-либо восприятию чужого опыта. Все они пытаются идти собственным путём, совершенно не присматриваясь к наработкам других людей. Причины этого не известны, но, очевидно, их корень кроется в огромном самомнении творческих людей.

Компьютерной музыке и звукозаписи не достаточно таланта, для её производства нужны ещё и знания. Самый простой и верный путь получения необходимой информации - литература. Что можно посоветовать серьёзному компьютерному музыканту для повышения квалификации? Таким вопросом задались мы и отправились на первый попавшийся интернет-магазин с целью узнать, что же предлагает рынок сегодня. Отметим сразу, что нами были рассмотрены исключительно те издания, которые более или менее посвящены профессиональным программам звукозаписи и нотного редактирования. Мультимедийные игрушки наподобие eJay мы сознательно обошли стороной как не заслуживающие внимания.

Итак, что же будет полезно почитать музыканту, уже имеющему определённый опыт, но не имеющему представления о профессиональных тонкостях:

Во-первых, обнаружено почти полное отсутствие вменяемых книг, посвященных самым азам звукозаписи на компьютере. Имеется огромное количество книг "для чайников", ужасных и бессодержательных изданий (с анекдотической надписью "плюс мультимедийные примеры на дискете"), а книг, которые начинающий музыкант мог бы почитать для расширения представлений о программах и средствах записи, очень мало. Вернее, всего одна. Это "Музыкальный компьютер. Секреты мастерства", авторы Р. Петелин и Ю. Петелин. Данное практическое сочинение начинается традиционно - с изложения теории аудиосигналов, её воплощения в компьютерных технологиях. Особенно радует подробное описание принципов действия различных типов микрофонов и их характеристик. Рассказывается о наиболее распространённых эффектах: вибрато, тремоло, дилей, фленжер, фейзер, хорус, реверберация, дистошн, вокодер, сдвиг высоты тона. Очень подробно авторы рассказывают о последней версии виртуальной студии Reason 2, которой наверняка пользуются наши читатели. В связке с этой программой предлагается использовать мультитрековый редактор Cool Edit Pro 2, как наиболее удобный и простой редактор с большими возможностями. Есть немного теории цифрового мастеринга, чего зачастую многие авторы просто избегают. Книга довольно подробная (688 страниц), так что для многих она будет пособием продолжительное время.

Книжка "Искусство программирования миди-файлов (+CD-ROM)", написанная Б. Зуевым и П. Денисенко, должна быть у каждого композитора и аранжировщика. На сегодняшний день формат MIDI - единственное средство записи нот в компьютер и синтезатор. Увы, многие очень грубо обходятся с этим форматом, не используют его широких возможностей, оттого музыка звучит очень предсказуемо и однообразно. Рекомендуемая книга позволит вникнуть во все тонкости формата и усвоить технику работы с ним. Издание также рассказывает о трёх различных протоколах MIDI (General MIDI, Roland GS и Yamaha XG), а на прилагаемом диске есть примеры, иллюстрирующие имеющиеся в тексте приёмы программирования, и демонстрационные версии многих популярных секвенсоров.

Секвенсорам посвящено много изданий, отчасти потому, что это - наиболее профессионально используемые программы, требующие внимательного изучения.

"Cakewalk. "Примочки" и плагины" уже упомянутых Р. Петелина и Ю. Петелина - как раз о секвенсоре Cakewalk Pro Audio о дополнительных встраиваемых модулях автоматизации применения некоторых эффектов. Cakewalk - одна из лучших серий разнообразных миди-программ: Cakewalk Guitar Studio, Cakewalk Overture, Cakewalk In Concert, Cakewalk Audio FX. Cakewalk Guitar Studio - MIDI- и аудиоредактор для гитаристов, Cakewalk Overture - настольная издательская система и MIDI-секвенсор и Cakewalk In Concert - интеллектуальный проигрыватель MIDI-композиций во время концерта. Авторы описывают элементы интерфейса и принципы работы этих программ. Впрочем, есть и информация по плагинам сторонних производителей (очень удачные плагины Rhythm'n'Chords и Looper фирмы MusiсLab Inc., предназначенных для работы совместно с Cakewalk Pro Audio). Rhythm'n'Chords и Looper разработаны для решения самой насущной проблемы миди-интерфейса - эмуляции реалистичного звучания гитары. Как известно, вся миди-музыка создаётся по принципу клавишной, и поэтому чрезвычайно трудно отобразить звучание инструментов, чьи принципы звучания отличаются от клавиш (скрипки, саксофоны, флейты, трубы, гитары). Не обошли авторы и группу плагинов Cakewalk Audio FX стандарта DirectX. Их очень удобно использовать совместно с SoundForge - симулятор гитарных усилителей, пожалуй, один из лучших, а симулятор акустики помещений SoundStage обладает очень широкими возможностями по моделированию помещения и выбором типа микрофона, которым эмулированный звук будто бы записывается. Для тех, кто сталкивается с Cakewalk Pro Audio, предусмотрено большое количество иллюстраций, а для более продвинутых - большой список литературы для ещё более глубокого изучения.

Ещё одна книга тех же авторов и тоже посвящена в какой-то степени секвенсору - "Виртуальная звуковая студия Sonar (+CD-ROM)". Виртуальная студия Sonar 2 XL - универсальная многофункциональная программа, применяемая на всех этапах создания музыки, начиная с записи мелодии и аккомпанемента, аранжировки, записи вокала и настоящих музыкальных инструментов, обработки MIDI- и аудиоэффектами и заканчивая применением виртуальных синтезаторов, сведением и мастерингом. Для начинающих пользователей даны рекомендации по подключению к звуковой карте M1DI-клавиатуры и микрофона; рассмотрены формы представления музыкальной информации в Sonar (ноты, отпечатки клавиш, виртуальный гриф, списки сообщений, клипы): описан порядок выполнения базовых операций: загрузка и сохранение файла проекта, воспроизведение и запись MIDI-композиции, запись аудиотрека. Подробно рассмотрены: DX-инструменты LiveUpdaic UveSynth Pro SE. Alien Conncclions ReValver SE, Audio Simulation DreamSlation DXi, Edirol Virtual Sound Canvas DXi. FXpansion Audio DR-008 DXi2. Cyclone DXi; аудиоэффекты FxChorus, FxDelay, FxEq, FxFlange, FxRewrb и др.; MIDI-плагины Rhylhm'n'Chords 2 Pro. Looper, Fixed Length, VcloMaster, SlicyDrununer фирмы MusicLab, Inc.; методики редактирования сэмплерных лупов и грувов средствами окна Loop Construction; работа с ритмическими паттернами, формирование партии ударных с помощью Drum Map, Session Drummer, SlicyDrummer; создание гитарного аккомпанемента на основе программы Rhythm'n'Chords 2 Pro; расширение возможностей Sonar 2 XL за счет использования встроенного языка программирования CAL. Приложение к книге - компакт-диск, записанный в формате CD Extra (то есть на нём записаны аудиодорожки для прослушивания на обыкновенном CD-плеере и программы для компьютера). В аудиосекции - композиции авторов книги и читателей, демонстрирующие, какого звучания можно добиться с помощью программ и знаний, а в компьютерном отделе - демоверсии рассмотренных в книге программ, DX-инструментов, эффектов и MIDI-плагинов, а также ряд необходимых утилит. Представлены примеры композиций и offline-версия сайта "Музыкальный компьютер", содержащая, в частности, тексты всех статей, опубликованных авторами книги в журнале "Магия ПК", и развернутые аннотации ранее изданных книг.

О секвенсоре Cubase SX рассказывается в двух рекомендуемых книгах - "Cubase SX для музыкантов (+CD-ROM)" Евгения Медведева и Веры Трусовой и "Компьютер-композитор. Искусство создания танцевальной музыки на компьютере с примерами на CUBASE" (переводной труд Роджера Брауна). Первая книга будет полезна не только с точки зрения изучения программы, но и с позиции изучения общей теории музыки. Музыкальная теория в доступном изложении, несомненно, несколько обогатит музыкантов, не имеющих профессионального образования: представлены различные схемы организации музыкальных форм, авангардные приемы композиции, примеры строения мелодии, закономерности смены динамики и тембра, а также особенности джазового исполнения. Подробно освещены вопросы нелинейного звукового монтажа, исправления ритмических и высотных ошибок так называемого "живого" исполнения средствами Cubase SX, описаны технологии создания оригинального звучания с помощью VST-инструментов (синтезаторов и сэмплеров) и подключаемых плагинов стандарта VST в сочетании с миди-плагинами. Интересно, что авторами предлагается собственная технология повышения качества звучания при программном микшировании. Вторая книга целиком посвящена созданию танцевальной музыки. Это дело не такое простое, как кажется на первый взгляд, и требует серьёзного опыта. Автор предлагает опираться на танцевальные культуры разных стран - именно таким путём идут сейчас диджеи и композиторы всего мира, черпая свежие идеи у других культур. Также автор даёт некоторые советы по защите авторских прав, что сразу выдаёт иностранца (американцы особенно падки на такие вещи - двух нот вместе не связали, а думают уже об авторских правах). На компакт-диске - демонстрационная версия Cubase и примеры музыкальных партий, написанные различными музыкантами.

Особого внимания заслуживают книги о самом востребованном звуковом редакторе - SoundForge. Одна из таких - "Sound Forge. Музыкальные композиции и эффекты" Скотта Р. Гарригуса рассказывает о программе с самого простого: с теории компьтерного звука. Причём звуковой редактор рассматривается не автономно, а как элемент всего комплекса музыкальных программ. Скотт Р. Гарригус делится советами по необходимому для музыканта программному обеспечению, рассказывает о способах редактирования звуковых файлов, обо всех основных форматах звуковых файлов, приводит примеры их практического использования. Не обходит он добавление, экспорт и редактирование с помощью SoundForge звука в видеофайлах.

Хочется отметить, что не все книги грамотно излагают информацию. О SoundForge - особенно. Некоторые "писатели" ограничиваются переводом файла справки, прилагаемого к программе. Даже если читателю будет недостаточно книжки "Sound Forge. Музыкальные композиции и эффекты" Скотта Р. Гарригуса, то выбирать другие издания следует с крайней осторожностью.

И в числе последних книг назовём "Cool Edit Pro 2. Секреты мастерства (+ CD-ROM)" уже знакомых нам Романа и Юрия Петелиных. Эти два человека, прямо-таки, удерживают лидерство на рынке подобной литературы. Книга о ближайшем конкуренте SoundForge - мультитрековом редакторе СoolEdit 2. Сооl Edit Рго 2 позволяет записывать многодорожечные аудиокомпозиции с микрофона или любого источника звукового сигнала; редактировать и обрабатывать эффектами как отдельные файлы, так и группу файлов; выполнять сведение, мастеринг и запись компакт-диска.

Изложена сущность и способы применения основных аудиоэффектов: вибрато, тремоло, дилей, флэнжер, фэйзер, хорус, реверберация, дистошн, вокодер, сдвиг высоты тона. Приведены методики генерирования и обработки звуковых данных: шумоподавления, устранения последствий клиппирования сигнала, динамических и спектральных преобразований, применения встроенных и подключаемых посредством DirectX эффектов. Рассмотрены методы поиска и устранение аномалий в записанном сигнале на основе анализа мгновенного спектра, фазовых соотношений (фигур Лиссажу) и гистограммы распределения значений отсчетов. Приведено описание встроенных средств имитации акустики зала с использованием импульсной характеристики, обработки композиций колебаниями, синхронизированными с ритмами активности головного мозга, извлечения звуковых данных из видеофайлов и с треков CD Digital Audio, преобразования WAV-файлов в файлы формата МРЗ, записи компакт-дисков. На компакт-диске - демонстрационная версия программы и примеры сведённых композиций.

Надеемся, что те книги, которые мы перечислили, помогут читателям вырасти в музыкальном плане и повысить качество звучания музыки.

Как стать знаменитым и покорить мир своей музыкой

DjDsQ — Mon, 27 Feb 2012 20:48:23 GMT

С чего начать?

Итак, наступил тот момент, когда ты понял, что пора покорять вершины хит-парадов. Сделать это предельно просто. Ты уже считаешь себя музыкантом, разобрался в разных музыкальных программах, как SoundForge, Impule Tracker 2.14 patch 3 или Fast Tracker II, уже замахиваешься на Rebirth. Для того, чтобы стать знаменитым, нехватает самой малости - музыки, имени и достаточного промоушна.

Самые твои первые пробные работы - это и есть та начинка, та необходимая поддержка в трудные минуты, когда тебя будут обзывать и будут на тебя ругаться. Но это в будущем, пока назови их звучными именами, опиши их стиль. Если ты не разбираешься в музыкальных стилях, все равно напиши первое, что в голову придет. Например, house (если бит у тебя прямой) или jungle (если ты используешь драм-лупы). Заархивируй полученные модули и положи их куда-нибудь к себе на страничку. Страничку желательно или не оформлять вообще, или делать это плохо, чтобы она медленно открывалась - ведь ты должен заинтриговать публику своей секретностью. На страничке обязательно напиши данные про твой рост и вес, а также про твой возраст и хобби. Постарайся, чтобы информация о твоих увлечениях выглядела как можно более лаконичной. Если у тебя хобби вообще нет, то можешь ограничится стандартными фразами : "компьютер, музыка, девочки" - тебя сразу поймут. Лучше всего в оформлении страницы использовать программу "фотошоп" с примочками lens flare, alien skin, kpt.

Итак, мы с тобой подготовили всю почву для того, чтобы стать знаменитым. Теперь осталось чуть-чуть. Переходим ко второму этапу.

Выбери себе имя

Если тебе не довелось получить звонкое имя, творческий псевдоним, то нужно его обязательно придумать. Основных путей к придумыванию звучного имени всего два. Первый, самый простой метод - это никнейм из двух слов. Первое слово - DJ или CJ (как тебе больше нравится). Второе слово - по вкусу. Эффектнее всего выглядит имя, которым тебя кличут пацаны во дворе - например, Колян, Васёк, Миха, Диман, Юрок, Вован. Что такое "Дрон"? Просто имя, так и хочется сказать "Дрон, сходи за сигаретками", или "Дрон, сбегай за пивком". А DJ Dron - это звучит гордо, и главное, при таком имени тебя никогда не будут посылать в ближайший киоск за сигаретами, как только узнают о том, что ты диджей.

Если ты не хочешь использовать свое имя в никнейме, выпиши на листочек прозвища всех местных или известных диджеев, и придумай имя, отличающееся от этого списка. На помощь придет англо-русский словарь. Или русско-английский, кому как нравится.

Другой случай, когда тебе самому следует придумать себе название, без слова DJ. Правда, быть не-диджеем сейчас не модно, но при удачном стечении обстоятельств можно все-таки придумать что-либо стоящее. Способ этот очень прост. Берешь сборник своей любимой музыки и выписываешь в столбик имена групп, к примеру: 808 STATE
DUNE
LA BOUCHE
MASTERBOY
HADDAWAY
CAPITAIN JACK
2 UNLIMITED
MARUSHA
TECHNOHEAD
... и т.д.
Затем, делаешь просто. Берешь слово или часть слова из одной группы и добавляешь что-то свое. Если свое не придумывается, можно добавить другое слово из списка этих же групп. Например,
HADDA 808
TECHNO-OK
CAPITAIN ACID
LA DUNE
BOY 2 MASTER
Если вообще не получается, выпиши названия своих любимых песен и названия альбомов и поработай со словами, сокращай выражения, вставляй побольше цифр и аббревиатур. Если не выходит, напиши на листочке названия любимых фильмов и поэкспериментируй с ними.

Даже если это не помогает, есть еще целых два способа - первый - заглянуть опять-таки в словарь, второй - подойти к какому-нть субъекту на улице и ударить его по спине доской. В зависимости от социального статуса и возраста субъекта, он будет выговаривать слова разной смысловой нагрузки, быстро записывай эти первые слова на листочек и убегай. К полученным словам добавляй приставку DJ - и громкое имя тебе обеспечено. Например, DJ Oохх, или DJ Ёбты, или DJ Ай-болит. По возможности, избегай в своем названии матерные слова. Вот и назвал ты себя громким именем. Далее идет фаза еще проще - музыка.

Как сделать красивую музыку, чтобы не было стыдно перед девочками и другими диджеями.

Прежде чем что-либо писать, надо произвести подобие социологического исследования - какая музыка на сегодняшний момент наиболее актуальная и модная. Для этого, походи по двору и поспрашивай у пацанов, какая по их мнению самая крутая музыка. Затем, аккуратно записав их мнения в блокнотик, подойди с этим же вопросом к модным и продвинутым девчонкам. Верхом авторитетности, однако, будет мнение другого диджея, который уже настолько крут, что крутит сидюки в ночном клубе. Если ты некоммуникабельный мальчик и стесняешься подойти к другим с такими вопросами, то придется выбрать один стиль из следующего списка:
Deep House
Club House
Minimal House
Dream House
Progressive House
Trance
Goa Trance
Psychodelic Trance
Dream Trance
Speed Garage
Jungle
Hardcore
Breakbeat
Drum'n'Bass
Выбери из этого списка наиболее благозвучное и понравившееся тебе слово, затем сходи на рынок и купи сборник в стиле, который ты выбрал. Учти, что сложнее всего писать музыку с приставкой "dream" и со словом "trance" - тут нужно знать как минимум 5 нот. В остальных стилях достаточно одной-двух нот. Проще всего писать хардкор и минимал хаус. Но эти стили, хоть и довольно прогрессивные, не обеспечат тебе должной известности. Я бы посоветовал делать Breakbeat. У него большое будущее.

Послушай, как делают музыку ребята со сборника, подумай, сможешь ли ты написать так же.

Самое сложное - это достать нужные сэмплы к музыке. Никогда не обращайся с этой просьбой в досках объявлений, а тем более не пытайся сам что-то сделать - ведь все и так уже сделано. Делается все просто. Допустим, ты пишешь Breakbeat. Тогда ищи в поисковом сервере слова "breakbeat mod". Ссылки укажут на модули других диджеев, скачав которые, ты без особого труда вырежешь оттуда сэмплы. Чужие они или не чужие - все равно, главное чтобы хорошо звучали, ведь не чужим же людям покорять хит-парады, а тебе!

Надрав сэмплов, вставь их себе в модуль и начинай писать музыку. Причем писать ее надо так. Делаешь один паттерн, ставишь его в цикл 4 раза, затем копируешь его на паттерн 2, заменяешь в нем какой-то инструмент на более другой, и опять зацикливаешь его 4 раза. И так далее, пока не надоест. Все . Шедевр готов. Осталось красиво назвать, передать приветы, заархивировать и положить куда-нть в интернет. Наделав таких песен штук семь или восемь, ты можешь уже считать себя крутым музыкантом и можешь пререходить к следующему этапу.

Промоушн и всемирная известность

Итак, допустим, тебя зовут DJ Dron, и в твоем музыкальном архиве 8 модулей. Для того, чтобы понравиться другим, нужно записать их на кассету (а лучше на две), и принести человеку, которому это все понравится. Обычно удается убить двух зайцев одним выстрелом - нужно принести кассету девушке, которая тебе очень нравится, не забыв предупредить ее о том, что это твоя музыка, и что ты музыкант. С первыми ударами молотка по мозгам уже можно начинать приставать к этой девочке. Обещаю, будет классно - девушке и музыка понравится, и ты сам. Не забудь - кассета, которую ты записал, должна облететь весь город - и лучший способ распространения - через твоих подруг. Язык, как грится, до Киева доведет. Не успеешь глазом моргнуть - и ты известен в своем городе. Все девчонки будут от тебя без ума! Осталось самая малость. Ты должен стать известным в интернете. Для этого делается агрессивный маркетинг. Ругайся со всеми подряд, а главное - учи других жить. Пиши побольше статей от своего имени, в которых упоминай насколько ты крут. Не забывай утирать нос другим музыкантам, которые тебя бранят и просят заткнуться. Ни в коем случае не затыкайся. Если тебе нечего сказать в свое оправдание, расскажи о том, какие у тебя крутые родители и какой у тебя крутой микрофон за $1500. Иногда наступает тот момент, когда к твоим 8 модулям нужно будет добавить те, которые ты писал до того, как назвался DJ Dron и начал писать в стиле breakbeat - что же, иногда надо брать количеством. Ни в коем случае не опускайся до попрошайничества (сэмплы, новые программы, неисправимые ошибки с просьбами помочь). Наоборот, рекламируй свои модули и при каждом удобном случае проси их скачать. Если говорят, что у тебя получается плохо - не беда, не верь им - это всего лишь нелепая зависть. Если твои модули небольшие (2-3 мегабайта за модуль), ты можешь уже начинать их отсылать друзьям по e-mail, а главное - можно начинать посылать их всяким американским лейблам и радио. Глядишь, найдутся умные люди, и опубликуют тебя. Вот, собсно, и весь промоушн.

Предостережение

Главное, никогда не обращайся за помощью к тем людям, которые выглядят так, как будто хотят и могут тебе помочь. На самом деле все они самовлюбленные придурки, думающие что они пишут музыку лучше всех. А главное, никогда не пытайся заговорить с ребятами, которые музыку пишут ну очень давно, года с 1992-1993, иначе будут одни расстройства. Найди себе в партнеры таких же диджеев как и ты. Успехов тебе, музыкант!

Глоссарий:

Драм-луп - это когда сэмпл звучит вот так: "тум-ц-дыщ-ц-тум-тум-тудыщ". Вот если эту хрень зациклить, то получается почти так же как и у Продиджи. Даже можно делать джангл.

Impulse Tracker 2.14. patch 3 - самый навороченный трекер, только, почему-то, при попытке сделать CD со своими шедеврами, записывает музыку в моно. Попытки записать музыку из него в формат стерео-wav на CD с целью выпуска его на крутом лейбле в Америке пока невозможно - никто из знакомых не дает стерео-драйвер, а только матерятся.

Фотошоп - программа для автоматического рисования шедевров. Ей нужно только примчки типа kpt или alien skin, достать их очень просто.

Rebirth (он же ребёс) - программа для автоматической генерации музыки в духе других диджеев. Обычно, дефицитом является не сама программа, а модули к ней, откуда можно вырезать фрагменты и куски музыки и делать что-то свое. Звучит потрясающе, но вот в освоении сложновата.

Промоушн - хороший п., это когда тебя знает каждая девушка на деревне, и каждый посетитель сайта "trackers". Плохой п. - это когда что бы ты не сказал, тебе тут же затыкают рот и говорят что ты ламер и идиот. На самом деле плохого п. не бывает, бывают плохие музыканты, так говорящие о тебе.

Агрессивный маркетинг - это когда ты, никого не слушая, говоришь о том, что ты лучше всех и умнее всех. Пишешь "ликбезы", учишь других, рекламируешь свою музыку. Впринципе, автор этой статьи как настоящий диджей, этим и занимается, для того, чтобы стать самым известным на свете. Агрессивный маркетинг практикуют, к примеру, многие известные личности, но немногие из них могут похвастаться своей классной музыкой, зато хвалятся своим папой. Это лучший способ стать известным!